تابعوا معنا مسيرة المبدع #أوغوست_ رودان.(بالفرنسية: Auguste Rodin)..من مواليد عام – 1840م – 1917م..وكان فنانا ونحاتا فرنسي مشهورا. و أحد رواد فن النحت بالقرن التاسع عشر..

uploads8.wikiart.org/temp/3e367ff4-5b88-4883-ac...أوغوست رودان - تماثيل أوغوست رودان - Auguste Rodin - جوجل يحتفل ...

الاسم الكامل
فرانسوا أوغست رينيه رودان
الوظائف
رسام ، نحات
تاريخ الميلاد
1840-11-12 (العمر 77 عامًا)
تاريخ الوفاة
1917-11-17
الجنسية
فرنسية
مكان الولادة
فرنسا, باريس
درس في
المدرسة المتوسطة للفنون
البرج
العقرب

أوغست رودان – Auguste Rodin

أوغست رودان نحاتٌ فرنسيٌ معروفٌ بأعماله المتميزة في الرسم والنحت.

نبذة عن أوغست رودان

أوغست رودان فنانٌ ونحاتٌ فرنسي وواحدٌ من أشهر النحاتين الإنطباعيين في القرن التاسع عشر. عمل في البداية في مجال الديكور وزخرفة مداخل المنازل بعد أن رفضت مدرسة الفنون الجميلة قبوله ليتعلم الفن فيها.

تأثر بأعمال عددٍ من كبار الفنانين أمثال دوناتيلو، ممّا ساعده على التحرر من الأسلوب الأكاديمي ليكون أسلوبه مميزًا وبعيدًا عن النمطية والرتابة، وساهمت عبقرية رودان الفنية في اختياره للقيام بعددٍ من الأعمال التي خلَّدت اسمه نحاتًا عظيمًا إلى يومنا هذا كان أشهرها “بوابة الجحيم”.

لا تزال أعماله محفوظةً إلى يومنا هذا في عددٍ من المتاحف كمتحف أوغست رودان في باريس.

بدايات أوغست رودان

وُلد فرانسوا أوغست رينيه رودان والمعروف باسم أوغست رودان في 12 تشرين الثاني/ نوفمبر 1840 في باريس، فرنسا. والده جان بابتيست رودان ووالدته ماري سيفر، وله أختٌ أكبر منه اسمها ماريا.

عاش رودان في عائلةٍ فقيرةٍ، لذلك لم يتمكن من دخول المدرسة في طفولته، فقرَّرَ أن يتعلم لوحده، إلى أن أصبح في سن المراهقة، فدخل إلى المدرسة المتوسطة ليدرس الرسم وفن التصوير.

وفي عام 1857، حاول رودان أن يدخل المدرسة المتميزة للفنون الجميلة أكثر من مرة ورُفِضَ، وأصابه نوعٌ من الاكتئاب وبدأ العمل حِرفيًا ومُزخرفًا فنيًا حيث أبدع في صنع الحجارة المزخرفة وفي تصميم الزخارف المعمارية.

كان لوفاة أخته المأساوي عام 1862 أثرًا عميقًا في نفس رودان، فترك عمله الفني وانضم إلى الأخوية الكاثوليكية، وهو مكانٌ للطقوس الدينية المقدسة، ليعود إلى الفن بتشجيعٍ من القدِّيس بيتر جوليان إيمار، حيث عمل في مجال الديكور والزخرفة وتعلَّم تحت إشراف أنطوان لويس باري، الذي شجَّعه على الغوص في مختلف نواحي الفن.

إنجازات أوغست رودان

في عام 1864، انضمَّ رودان إلى المرسم الفني لأبرت إيرنست كاريه بيلوس، وتقدم للمشاركة في أول معرضٍ نظاميٍ له، لكنّ أعماله قُوبلت بالرفض. حتى عام 1870، عمل رودان مساعدًا لكاريه بيلوس في تصميم ديكوراتِ السقوف وزخرفة مداخل المنازل، ثم خدم في الجَّيش في فترة حرب فرانكو – بروجان، قبل أن يعود للعمل مع بيلوس في تصميم ديكوراتٍ وزخارفَ للمنازل في بروكسل في بلجيكا.

عام 1875، زار إيطاليا ودُهش من العبقرية الفنية المنتشرة في ذلك الوقت، حيث تركت أعمال مايكل أنجلو ودوناتيلو أثرًا عميقًا في نفسه وحرّرته من أسلوب العمل الأكاديمي، لينتقل بين جنوا وفلورنسا وروما والنيبال والبندقية قبل أن يعود إلى بروكسل.

أيقظت رحلة رودان إلى إيطاليا الفنان في داخله، والذي حتى ذلك الوقت اقتصر عمله بشكلٍ كاملٍ على الأحجار المزخرفة ليُدرك أنّ دراسة الفن تتعدى كونها دراسةً أكاديميةً. لقد ساعدته تلك التجربة على تطوير أسلوبه التعبيري وفي الخروج عن النمطيَّة والرَّتابة.

عندما عاد إلى بروكسل، بدأ بأول أعماله الإبداعية بعنوان The Vanquished والمعروف الآن باسم The Age Of Bronze، فكان أول منحوتاته التي صوَّر فيها رجلًا بالحجم الطبيعي مما أكسبه واقعيةً كانت سببًا في زيادة الاهتمام به، وحرّره من الشُبهات وسلَّط الأضواء عليه.

عام 1877، عاد رودان إلى باريس، وبعد ثلاث سنواتٍ عرض عليه معلمه السابق كاريه بيلوس أن يعمل مصممًا. في تلك الفترة تقدَّم رودان للمشاركة في عددٍ من المسابقات، لكنه كان دائمًا يُقابل بالرَّفض. إلى أن لعبت عبقريته الفنية دورًا في اختياره من قبل إيدموند توركيت سكرتير وزارة الفنون الجميلة ليصمِّم بابًا برونزيًا من أجل افتتاح متحف الفنون الزخرفية عام 1880.

مع أن المتحف لم يكتمل أبدًا وعَمَلُ رودان بقي غير منتهٍ حتى وفاته، إلَّا أنّه يُعتبر أحد أفضل أعمال حياته، وعُرف في النهاية باسم The Gates Of Hell وهو يتضمن لوحاتٍ من جحيم دانتي، فشكَّل هذا العمل دعمًا ماديًا بدأ معه حياةً فنيةً متحررةً من كل القيود. ضمَّ عمل The Gates Of Hell 186 صورةً وأصبح منطلقًا وإطارًا لمعظم أعمال رودان اللاحقة .

أنجز عددًا من التماثيل والمنحوتات المستوحاة منه مثل The Three Shades و The Kiss و The Thinker و The Prodigal Son و The Falling، وبينما كان يعمل على تحفته The Gates Of Hell حصل على إذنٍ للإشراف على برنامج تدريب النَّحات ألفريد بوتشو، فنشأت صداقةٌ بينه وبين النحاتة الموهوبة كاميلي كلاودل، فكان لكلٍ منهما أثرٌ مميزٌ على الآخر، وتحوَّلت الصداقة إلى علاقةٍ عاطفيةٍ.

أنجز رودان منحوتته الشهيرة The Burghers Of Calais والتي استمد موضوعها من القصة التي حدثت أثناء حرب المائة عام عندما حاصر الملك إدوارد الثالث مدينة كاليه، حيث قام ستة رجالٍ حفاةٍ وحاسري الرأس بالتضحية بأنفسهم دفاعًا عن المدينة ليقعوا بالأسر.

كان هذا العمل أحد أشهر أعمال رودان وأحبُّها إليه، فهو مصنوعٌ من البرونز ويَزِنُ أكثر من طَنَّين، وعلى الرغم من أنّه أنهى هذا العمل عام 1889، لكنّه لم يَظهر للعلن حتى عام 1895، ثم أُضيف إلى طلب الملكة بتصوير المنحوتة عام 1913.

وفي عام 1889، حصل رودان على الموافقة لإنجاز نُصبٍ تذكاريٍ لفيكتور هوغو مشابهًا لعمله السابق، فكان النُّصب بعيدًا عن المعايير التقليدية ومرتبطًا بشخصية الفنان وإلهامه. وبنفس العام منحته رابطة كُتَّابِ فرنسا الإِذن لإنجاز نُصبٍ تذكاري للكاتب الفرنسي أونورويه دي بلزاك، فكان عمله مختلفًا تمامًا عما سبق من حيث الإحساس والفكرة، واستطاع من خلاله أن يخرج عن الأسس التقليدية ليصور بلزاك بعينين غائرتين وتعابير تحمل الشجاعة والشَّقاء والكفاح فرَفَضَت الرابطة عمله.

عُرضَت مجموعة رودان الضخمة من المنحوتات واللوحات في معرض يونفرسال في باريس عام 1900، فزاد المعرض من شهرته الفنية وبدأ يتلقى عروضًا لصنع تماثيلٍ لأشخاصٍ بارزين من كل أنحاء العالم كالولايات المتحدة وانجلترا وألمانيا وفرنسا.

عام 1930، شَغِلَ رودان منصب الرئيس المنتخب لاتحاد الرسامين والنحاتين وصانعي النقوش الدولي خلفًا لجيمس أبوت ماكنيل ويسلر إثر وفاته.

بعض أفضل أعماله وأكثرها شُهرة: The Age Of Bronze و The Gate Of Hell و The Thinker و The Kiss و The Burghers Of Calais.

إضافةً إلى تصويره للشخصيات البارزة مثل فيكتور هوغو و أونوريه دي بلزاك .

أشهر أقوال أوغست رودان

كان أول لقاءٍ له مع شريكة حياته روز بوريت، وهي خياطة، عام 1864، جمعتهما رابطةٌ قويةٌ وأصبحت صديقة حياته المقربة ليتزوج الاثنان في 29 كانون الثاني/ يناير 1917 أي بعد 53 عامًا ورُزقا بابنهما الوحيد.

وفي عام 1883، نشأت صداقةٌ بينه وبين كاميلي كلوديل وتطورت سريعًا إلى علاقةٍ عاطفيةٍ جامحةٍ فكانت مصدر إلهامٍ لرودان في كثيرٍ من أعماله. في عام 1889، دخلت حياته الشخصية مرحلةً من الاضطراب فبالرغم من إقامته مع كلوديل، رفض رودان أن يُنهي علاقته مع بوريت أمُّ ابنه إلى أن انفصل عن كلوديل عام 1898، والتي تُوفيت بعد نوبةِ انهيارٍ عصبي.

لم تتمتع بوريت بزواجها طويلًا ولفظت أنفاسها الأخيرة في 1-شباط/ فبراير 1917.

وفاة أوغست رودان

عانى رودان من الإنفلونزا وتدهورت صحته حتى توفي في 17-تشرين الثاني/ نوفمبر 1917 في منزله في مودن، أحد ضواحي باريس، نتيجةً لاحتقان رئتيه.

حقائق سريعة عن أوغست رودان

  • عانى رودان من ضعف نظرٍ شديدٍ منعه من التفوق في المدرسة، لكنه وَجد ميوله تتجه نحو الرسم حيث يمكنه رؤية ما يرسم بسهولة.
  • بعد وفاته أصبح قائدًا فخريًا لجوقة الشرف الفرنسية وحاز على دكتوراه فخرية من جامعة أوكسفورد.
  • كان أعظم أعمال رودان في آخر حياته عندما طوَّر أسلوبه متحديًا به الطريقة التقليدية.
  • قدّم أوّل أعماله Mask Of Man With The Broken Nose للعرض، لكنَّ العمل قُوبل بالرفض لأنّه يصور وجهَ أحد العمال المعروفين في المنطقة، ويبتعد عن مواصفات الجمال التقليدية .

أحدث الأخبار عن أوغست رودان

أوغست رودان: معرض المئوية – العربي الجديد

  معرض في باريس يسلط الضوء على إرث أوغست رودان في مئوية وفاته – صحيفة الوسط البحرينية

  فيديوهات ووثائقيات عن أوغست رودان

أوغوست رودان

Auguste Rodin
(أوغوست رودان)
French sculptor

Description

François Auguste René Rodin was a French sculptor. Although Rodin is generally considered the progenitor of modern sculpture, he did not set out to rebel against the past. Wikipedia
BornNovember 12, 1840, Paris, France
DiedNovember 17, 1917, Meudon, France
Full nameFrançois-Auguste-René Rodin
SpouseRose Beuret (m. 1917–1917)
أوغوست رودان
(بالفرنسيةAuguste Rodin)‏  تعديل قيمة خاصية (P1559) في ويكي بيانات
Auguste Rodin fotografato da Nadar nel 1891.jpg

معلومات شخصية
اسم الولادة (بالفرنسيةRené François Auguste Rodin)‏  تعديل قيمة خاصية (P1477) في ويكي بيانات
الميلاد 12 نوفمبر 1840
باريس
الوفاة 17 نوفمبر 1917 (77 سنة)
ميدون
مكان الدفن فرنسا  تعديل قيمة خاصية (P119) في ويكي بيانات
مواطنة Flag of France.svg فرنسا[1][2][3]  تعديل قيمة خاصية (P27) في ويكي بيانات
الشريك كاميل كلوديل (1885–1892)  تعديل قيمة خاصية (P451) في ويكي بيانات
الحياة العملية
تعلم لدى ألبيرت إرنست كارييه بيلوز  تعديل قيمة خاصية (P1066) في ويكي بيانات
التلامذة المشهورون كونستانتين برانكوشي،  وكاميل كلوديل،  وكارل ميلز  تعديل قيمة خاصية (P802) في ويكي بيانات
المهنة نحات،  ونقاش،  ومصمم[4]،  ومصور  تعديل قيمة خاصية (P106) في ويكي بيانات
أعمال بارزة المفكر،  وأبواب الجحيم  تعديل قيمة خاصية (P800) في ويكي بيانات
الجوائز
الدكتوراة الفخرية من جامعة أكسفورد  (1907)[5]
الدكتوراة الفخرية من جامعة غلاسكو  (1906)[5]
دكتوراة فخرية  (1905)[5]

Legion Honneur Commandeur ribbon.svg

وسام جوقة الشرف من رتبة قائد  (1903)[5]

Legion Honneur Officier ribbon.svg

نيشان جوقة الشرف من رتبة ضابط  (1892)[5]

Legion Honneur Chevalier ribbon.svg

وسام جوقة الشرف من رتبة فارس  (1887)[5]

Chevalier Ordre de Leopold.png

وسام ليوبولد

Legion Honneur GO ribbon.svg

وسام جوقة الشرف من رتبة ضابط أكبر [6]  تعديل قيمة خاصية (P166) في ويكي بيانات

التوقيع
Auguste Rodin signature.jpg

Auguste Rodin أوجست رودان.

أوغست رودان (بالفرنسيةAuguste Rodin)‏ (ولد فرانسوا -أوجست – رينيه – رودان ؛ 12 تشرين الثاني / نوفمبر، 1840—17 تشرين الثاني / نوفمبر، 1917) كان فنانا ونحاتا فرنسي مشهورا. يعد أحد رواد فن النحت خلال القرن التاسع عشر[7]. ولا يزال واحدا من عدد قليل من النحاتين المعترف بهم على نطاق واسع. وتُعد أعمال أوجست رودان الفرنسية أمثلة للأنواع الانطباعية في النحت. أعطى رودان للأشكال رؤية الحركة السطحية[8].

بدايات

كان رودان يعمل في مصنع (كارييه بيلوز) المتخصص في زخرفة واجهات القصور ولا يزيد أجره اليومي عن خمسة فرنكات. رفضته مدرسة الفنون الجميلة كطالب ثلاث مرات متتالية، تردد رودان علي متحف اللوفر والمكتبة الامبراطورية وتعلم وهناك أيضا الكاتدرائيات قوطية الطراز، حيث الروعة والمهابة وقوة التماسك وثمة اضواء وظلال تتسرب بين الكتل المعمارية الشامخة تحت سماء ملبدة بالغيوم[9].

عندما فشل رودان في الدخـول إلى معهد الفنون الجميلة، انصرف إلى العـمل الفني في العاصمة الفرنسية، إلى أن تمكن من إنجاز أول عمل نحتي في سنة 1860 م وكان تجسيدا (لوالده). ثم أصبح عضـوا في اتحـاد الفنانين للديكور الذي كـان يضم رسـامين كـبـارا مـثل “دولا كروا” الرسـام الفرنسي الذي عرف في رسومه الطبيعية، و” غوتييه“، الكاتب الفرنسي الذي عرف بنزعته “الفن من أجل الفن”؛ وكان لهذا تأثيره في حياة رودان الذي بدأ يستـعيد ثقته بنفسه وبنحته[10].

متحف رودان

متحف رودان في باريس، هو متحف النحات والرسام الفرنسي “أوجست رودان” ويحتوي هذا المتحف على منحوتاته وبعض رسومه وتخطيطاته[10].

جاك ليبشيتز

تلقى جاك ليبشيتز الاهتمام من أوجست رودان عندما كان شاباً لا يتجاوز الحادية والعشرين، وقد راح مرة يسأل نفسه: «ما الخطأ الذي ارتكبته مع منحوتتي الصغيرة حتى نالت إعجاب رودان؟». وعام 1962 اعترف ليبشيتز ان ما فعله مع رفاقه التكعيبيين لم يكن مختلفاً كثيراً عما فعله رودان. فقال: «كان رودان أكثر تقدما منا. إذ يحتوي نحته مهارة حرفية، بينما نحتنا، في عشرينيات القرن الماضي وثلاثينياته[11]،

أبستين

درس أبستين على يد أوجست رودان وأنجز معظم أعماله في إنجلترا، أثار أسلوبه الجديد الذي اتسم بالكتل والمسطحات الكبيرة المبتكرة ثورة بين نقاد الفن. من أحسن أعماله بعض رؤوس من البرونز لشخصيات معروفة، وتماثيل فينوس بالرخام والمسيح بالبرونز وآدم (يعقوب والملاك).

مسيرة الفنان الروسي #فلاديمير_ فوليجوف Vladimir Volegov ..مع لوحات مذهلة للفنان فلاديمير ‎Incredible Paintings by Russian Artist Vladimir Volegov‎..

ربما تحتوي الصورة على: ‏‏شخص واحد‏، ‏‏‏‏وقوف‏، ‏طفل‏‏ و‏نشاطات في أماكن مفتوحة‏‏‏‏ ربما تحتوي الصورة على: ‏‏شخص أو أكثر‏‏

Vladimir Volegov

From Wikipedia
ربما تحتوي الصورة على: ‏‏‏‏‏شخص أو أكثر‏، ‏نشاطات في أماكن مفتوحة‏‏ و‏ماء‏‏‏، ‏نص مفاده '‏‎volegov.com‎‏'‏‏

Jump to navigationJump to search

Vladimir Volegov (born in Khabarovsk, 1957) is a many-sided visual artist from Russia now residing in Spain. His early work centered on graphic art for music recordings, comics, and commercial posters. He is known in the West for his realistic, profusely colored oil paintings often depicting romantically ambianced outdoor family life scenes.[1][2]

Career

Volegov studied at the Lvov Institute of Printing Art where he graduated in 1986. Volegov then began his career in Moscow as a graphic artist working in the music-record, comics,[3] and advertising industries. As a music-CD cover designer, Volegov’s credits are cataloged in recordings by Russian artists including Alla PugachevaPhilipp KirkorovLyubeValery LeontievLyudmila Gurchenko, and Irina Allegrova, among others.[4] Starting in 1986, Volegov meandered through western Europe as a street painter while nurturing afresh a distinct realistic style, often representing feminine beauty, maternity and childhood in romantic settings.[5][6] Volegov’s participation (2015) as an invited artist at the Anniversary Exhibition of the Waterhouse Gallery in Santa Barbara, California was favorably reviewed by American Art Collector magazine.[7]

Volegov is also known for his miniature artistic dolls representing celebrities which have been exhibited at specialty fairs in Paris, New York and Barcelona among other cities.[8]

Volegov is a prolific painting educator, having taught his art worldwide through personal tutoring,[9] hands-on workshops[10] and by producing videos demonstrating diverse aspects of his oil painting technique.[11]

External links

References

  1. ^ “Мастер оригинального шаржа: оригинальные дружеские шаржи Владимира Волегова”kulturologia.ru/ (in Russian). Retrieved Feb 1, 2019.
  2. ^ “Художник Владимир Волегов”www.portret-kartina.ru (in Russian). Retrieved Feb 1, 2019.
  3. ^ “CARICATURES,COVER-DESIGN,POSTERS BY VOLEGOV”v.youku.com. Retrieved Feb 1, 2019.
  4. ^ “Vladimir Volegov”/www.discogs.com. Retrieved Feb 1, 2019.
  5. ^ “Mothers happiness by Vladimir Volegov”viola.bz. Retrieved Feb 1, 2019.
  6. ^ “Беззаботное детство в полотнах Владимира Волегова”hronika.info (in Russian). Retrieved Feb 1, 2019.
  7. ^ “New to market paintings”www.americanartcollector.com. Retrieved Feb 1,2019.
  8. ^ “Персонажи Владимира Волегова”dianov-art.ru (in Russian). Retrieved Feb 1,2019.
  9. ^ “Cristina Ferrer recibe clases de Vladimir Volegov”periodicodeibiza.es. Retrieved Feb 1, 2019.
  10. ^ Focke, Cindy B. “Russian-born artist shares his talent with Beach residents”pilotonline.com. Retrieved Feb 1, 2019.
  11. ^ “Vladimir Volegov”viuly.io. Retrieved Feb 1, 2019.
ربما تحتوي الصورة على: ‏‏شخص واحد‏، ‏‏‏وقوف‏ و‏نشاطات في أماكن مفتوحة‏‏‏‏
Vladimir was born in the city of Khabarovsk, on December 19, 1957. When he was two years old, his mother abandoned his father, took her son and moved to Sverdlovsk (formerly, Yekaterinburg). From then on, the family had often relocated from one place to another. The mother wanted Vladimir to become a doctor, but he had a strongly pronounced desire to paint. He was remarkably diligent and observant. While at school, his teachers often asked him to help create visual aids, and he earned his first money for drawing the slogan Long Live the First of May! when he was 13.

At the age of 14, he started to paint 3 m cinema posters, which later often added something special to the youth parties. In the city of Krivoi Rog, Vladimir entered an arts school, and during his time there, he discovered the art of many classical painters. The works by Ilya Repin and Valentin Serov had a particular effect on him.

In 1980, he entered the School of Graphics at Lvov Institute of Printing Art. At the entrance exam, he painted an illustration to the novel The Young Guard. The Admission Committee, having seen Vladimir’s work, unanimously made a decision about his admission, even though his Literature and the History of CPSU exam results were far from brilliant.

In 1982, in Krivoi Rog, Vladimir became the head of SPLAV artistic association. In 1986, he often visited Moscow, participated in international poster exhibitions, and in one of such contests, he won the first prize. In those very days, he visited the exhibition of Andreas Zorn’s works, which had a significant influence on him.

In 1988, he moved to Moscow in order to achieve his artistic potential. He started with painting portraits in Arbat, while at the same time he was looking for work. That was when his first contacts with publishing houses, advertising and record companies were established. They willingly employed him. With the emergence and development of digital technologies, Vladimir learned computer painting. He painted posters, covers for vinyl and CD albums, worked with advertising agencies for periodicals and street posters advertising. Throughout all that time, he never ceased to paint. The confused and hectic years of 1990 – 2000 were full of commercial orders, comic books, making sketches for promotional items. In order to survive, Vladimir accepted all the offers that came along.

In 1990, Vladimir started travelling to Europe, earning his living by painting portraits in the streets of Barcelona, Berlin, Vienna and other European cities. For 10 years, he participated in the Summer Portrait project in the Austrian town of Wels. Having seen his works on the vinyl and CD album covers he made for show business projects, Russian show business celebrities started making orders for painted portraits.

In 1992, during his summer work as a contracted painter in the park of Gardaland (Italy), in one of the local markets, he purchased a book with Giovanni Boldini’s pictorial reproductions, which impressed, amazed and inspired Vladimir.

When he saw the impressionists’ originals in the Musée d’Orsay, he started to spend more time on painting and never stopped working. At the beginning of 2000, Vladimir created a web page with his commercial and artistic works. It was through that page, that his art manager found him, and in 2004, Vladimir signed a long-term contract with Soho Editions, NY, USA. Vladimir discovered the names of John Singer Sargent, Joaquin Sorolla, adopted the style of romantic realism and started to paint in that manner.

After seven years of marriage, in 2006, Vladimir and his wife, Ekaterina, moved to Spain. And in that same year, their son Anton was born. In 2007, he started his successful cooperation with Galeries Bartoux in France as well as with art galleries in the USA, Italy and Sweden.

In 2011, while Vladimir was working on a 3D project, an idea of creating 3D dolls dawned on him. He set up web page and took part in the exhibitions in Paris (Doll Expo 2012), in Barcelona (Doll Show 2012), in New York (Art Expo New York 2012), in which both his paintings and dolls were a tremendous success. Vladimir worked on the inflow of private orders for portraits while simultaneously pursuing his artistic endeavours, the main theme of which was depicting women and children. Besides, Vladimir created videos dedicated to the process of painting creation, and has composed music to them.

Since 2015, Vladimir has started to conduct video tutorials in figurative oil painting and, after his followers’ persistent requests, he has created a tutorial DVD.

صفحة مجلة فن التصوير على الفيس بوك :
https://www.facebook.com/fotoartbookcom
مجلة فن التصوير :
http://www.fotoartbook
مجلة المفتاح : 

عرض المزيد

ربما تحتوي الصورة على: ‏‏‏‏شخص أو أكثر‏، ‏‏أشخاص يجلسون‏، ‏نشاطات في أماكن مفتوحة‏‏‏ و‏ماء‏‏‏
ربما تحتوي الصورة على: ‏‏‏‏شخص أو أكثر‏، ‏‏أشخاص يقفون‏، ‏زهرة‏‏‏ و‏نشاطات في أماكن مفتوحة‏‏‏
ربما تحتوي الصورة على: ‏‏‏‏‏شخص أو أكثر‏، ‏نشاطات في أماكن مفتوحة‏‏ و‏ماء‏‏‏، ‏نص مفاده '‏‎volegov.com‎‏'‏‏
ربما تحتوي الصورة على: ‏‏شخص أو أكثر‏‏
+‏٤٦‏
تمت إضافة ‏‏٤٩‏ صورة جديدة‏ بواسطة ‏‎DRAWING PENCIL‎‏ إلى الألبوم: ‏‎Incredible Paintings by Russian Artist Vladimir Volegov‎‏ — مع ‏‎Khuram Waqas Ur Rehman‎‏ 

لوحات مذهلة للفنان الروسي فلاديمير فوليجوف

انستجرام: https://www.instagram.com/artvolegov/

الموقع الالكتروني: http://www.volegov.com/

للمزيد من الأعمال:

https://www.facebook.com/veriapriyatno/photos/a.10154186181964903/10154186182814903/?type=3&theater

ربما تحتوي الصورة على: ‏‏‏‏شخص أو أكثر‏، ‏‏أشخاص يقفون‏، ‏نشاطات في أماكن مفتوحة‏‏‏ و‏ماء‏‏‏

ربما تحتوي الصورة على: ‏‏‏‏شخص أو أكثر‏، ‏‏محيط‏، ‏نشاطات في أماكن مفتوحة‏‏‏ و‏ماء‏‏‏ربما تحتوي الصورة على: ‏‏شخص واحد‏، ‏‏‏‏نشاطات في أماكن مفتوحة‏ و‏ماء‏‏‏، ‏نص مفاده '‏‎volegov.com‎‏'‏‏‏

ربما تحتوي الصورة على: ‏‏‏‏شخص أو أكثر‏، ‏‏محيط‏، ‏نشاطات في أماكن مفتوحة‏‏‏ و‏ماء‏‏‏

تعرف على #فن_ السيراميك _والخزف.. للفنان العالمي#كريس _كريدر Chris Gryder والذى يتميز بهذا الإستايل المبدع الراقى..

Biography & Resume

Chris’s path has consistently gravitated towards and found redemption in “making,” whether in Architecture School at Tulane where his attraction for physical form was explored in the sanctioned realm of cardboard models, or in the sun drenched playground for architects in the Arizona desert known as Arcosanti, a place where the medium of silt, clay and concrete are the primary means of expression.  Playing in the dirt, he seemed to find his medium of choice and let his activities range from the scale of ceramic houses as demonstrated by Nader Khalili at CalEarth in southern California to the hand held clay creations afforded and indulged upon at Paolo Soleri’s ceramic studio on the edge of the Sonoran. He later found a nurturing environment for these tendencies while earning his MFA at RISD and achieved breakthroughs working with clay and earthen mixtures, leading to his current body of work.

Education

1998

1988

Rhode Island School of Design, Providence, Rhode Island.  Master of Fine Arts, Ceramics. 

Tulane School of Architecture, New Orleans, Louisiana.  Bachelor of Architecture, five year accredited program. 

1987

Architecture Program in Greece

Sponsored by University of North Carolina & Tulane University. 

1986

Architecture:  Southern France & Spain

Sponsored by Syracuse University. 

1986

Urban Design/Seville:  The City and the Expo Internacional del ‘92

Sponsored by Universidad de Seville & Junta de la Andalucia. 

1982

Architecture – Cornell University Summer Program in Architecture.

Selected Exhibitions

2017

Homeward Bound, Juried Triennial

Taubman Museum of Art, Roanoke, Virginia.

2015

Virginia Earth: Ceramic Arts

Portsmouth Art & Cultural Center, Portsmouth, Virginia. 

2011

The Vase and Beyond: The Sidney Swidler Collection of Ceramics

Crocker Art Museum, Sacramento, California. 

2009

In Between You and the Elements:  Works by Chris Gryder

Perspective Gallery, Virginia Tech University, Blacksburg, Virginia.

2009

Architectonic Logic:  Silt-Cast Stoneware by Chris Gryder

Eleanor D. Wilson Museum, Hollins University, Roanoke, Virginia. 

2008

Christopher Gryder, Current Work

Smoyer Gallery, Roanoke College, Salem, Virginia.

2007

Gryder, Glover, Trinkle – Three Artists

Flood Fine Art Center, Asheville, North Carolina.

Collections

Perry and Marty Granoff, Providence, Rhode Island. 

Museum of Arts and Design, New York, New York. 

Crocker Museum of Art, Sacramento, California. 

Florida State University, Tallahassee, Florida. 

Virginia Tech University, Blacksburg, Virginia.

Pfizer Pharmaceuticals, Ann Arbor, Michigan.

Selected Public/Semi-Public Commissions

2009

Viginia Tech University – A series of three ceramic relief panel wall assemblages, each measuring approximately 12 ft x 7 ft x 2 in.  Created for one of the primary entry sequences for the Squires Student Center, Virginia Tech, Blacksburg, Virginia.

2009

Florida State University – A series of three ceramic relief panel wall assemblages, the main piece measuring 48 ft x 10 ft x 2 in. Created for the triple story atrium of the Holly Academic Center, Florida State University-Panama City Campus. The commission was won as a result of a national competition.

2009

Kaiser Permanente – A series of two ceramic relief panel wall assemblages, each measuring approximately 4 ft x 7 ft x 2 in.  Created for a lobby within a hospital in San Diego, California.

2002

Pfizer Pharmaceuticals – A ceramic relief panel wall assemblage measuring 8 ft x 14 ft x 2 in. Created for the main lobby of Pfizer Pharmaceuticals research facility, Ann Arbor, Michigan.

Other Professional Experience

2019

Hollins University – Sculpting Matters: A Conversation in Form – I created and taught a course introducing fundamental concepts in sculpture such as material, process, methodology, 3D language, and aesthetics of the media.  We primarily explored materials and methods within the context of rapid development and transformation, including the importance of creating a dialogue between material and concept.  A variety of materials and techniques were emphasized, including paper, cardboard, metal, wood, plaster, and modeling clay.

1998

Howard Ben-Tre – I worked as an apprentice/assistant to the renowned artist Howard Ben-Tre.  His primary medium is large scale cast glass and he has a strong focus on outdoor public art.  My tasks included grinding/carving glass, carving models, making sand molds, and casting glass.

1991-

1996

Arcosanti/Paolo Soleri – I worked as an apprentice/assistant to the world renowned architect Paolo Soleri.  Soleri worked with Frank Lloyd Wright at Taliesan West in Scottsdale, Arizona, and soon thereafter rose to prominence as a leading architect and theorist, tackling the massive issues of intelligent urban design in light of a planet with finite resources.  He embarked on the herculean task of building a prototype city which would begin to test his urban design theories, referred to as ‘Arcology.’  Arcosanti is the name of this prototypical urban design project and it has been continually in the process of being built in the high Sonoran desert of Arizona since 1970.  It is here that I really began to ‘get my hands dirty,’ tying re-bar, pouring concrete, carving silt, and ultimately developing new and unique techniques for forming modest yet vital ceramic work.

1993

Nader Kahlili – I worked as an apprentice/assistant to the world renowned architect Nader Kahlili.  Kahlili was well known within the sustainable architecture community for his inovative earthen construction techniques as displayed at his school and research project, CalEarth, in southern California.  I developed a construction workshop at Arcosanti in conjunction with Khalili, incorporating his unique ‘ceramic house’ building technique.  Essentially an adobe dome structure is fired as a kiln, creating a monolithic ceramic building.  We built two adobe dome stuructures, the largest with a diameter of 10 ft.  A stimulating combination of architecture and pottery. 

1989-

1990

Stanley Tigerman – I worked as an entry level architect to the renowned architect Stanley Tigerman.  Tigerman was well known among architecture academics as an excellent teacher with a critical architecture practice based in Chicago.  I primarily worked on projects in the preliminary design phase, including a proposal for a technology museum bordering Lake Michigan and a design showroom for Kohler.

ــــــــــــــــــــــــــــــــــــــــــــــــــــــــــــــــ

‏٢٥ مايو ٢٠١٦‏، الساعة ‏٨:٠٣ ص‏

صفحة مجلة فن التصوير على الفيس بوك :

https://www.facebook.com/fotoartbookcom
مجلة فن التصوير :
http://www.fotoartbook
مجلة المفتاح : 

عرض المزيد

لا يتوفر وصف للصورة.
لا يتوفر وصف للصورة.
ربما تحتوي الصورة على: ‏‏منظر داخلي‏‏
لا يتوفر وصف للصورة.
+‏٢٤‏
تمت إضافة ‏‏٢٧‏ صورة جديدة‏ بواسطة ‏مــقــامــات الـلـــون‏ إلى الألبوم: ‏◕ فن السيراميك‏.

◕ فن السيراميك
◕ أروع وأجمل عمل فنى فى السيراميك والخزف للفنان العالمي Chris Gryder والذى يتميز بهذا الإستايل المبدع الراقى ، أعمال سيراميك وخزف هاند ميد لن نتحدث عنها كثيراً فالصور تتحدث وتُعبر
2016 مــقــامــات الـلـــون ©

ــــــــــــــــــــــــــــــــــــــــــــــ

خزف

زخرفة على الخزف.

Etruscan amphora Louvre E703 side B.jpg

الخزف[1] يشمل المواد اللاعضوية اللامعدنية والمتشكلة بفعل الحرارة.[2][3][4] أهم التطبيقات القديمة هي المواد الغضارية وأعمال الجص والفخار والقرميد والآجر المستخدم في البناء، لا ننسى أيضاً المواد الزجاجية والإسمنت. تندرج حميع المواد ذات الأصل أو الطبيعة الغضارية أو الترابية أو الكلسية ضمن المواد الخزفية. يختلف الخزف عن المواد الخزفية الهندسية حيث يعدّ الخزف من المواد الخزفية التقليدية.

الخزف هو زينة مصنوعة من المواد غير العضوية، غير المعدنية، صلبة وهشة (بعد أن يوضع بالنار) ،مرن جدا في وضعه الطبيعي، يُنتج بها العديد من الأشياء مثل الأواني الفخارية والتماثيل الزخرفية. كما أنها تستخدم في الطلاءات المقاومة للحرارة العالية ولذلك لخصائصه الكيميائية والفيزيائية وارتفاع درجة انصهاره. عادة لون الخزف أبيض، يمكن مزجه بمواد مختلفة وملونة. الفخاريات عادة ما تتألف من مواد مختلفة : الطين، والفلسبار، رمل، أكسيد الحديد والألومنيا والكوارتز. الخزف هو الطين المزجج والمفخور. يرجع تاريخ الخزف إلى أقدم العصور.في الوقت الحاضر أصبح الخزف من أحد الفنون التشكيلية. وأما الاسم الآخر لهذا الخزف (خزف) وهو فن إسلامي قديم وأما بالغة السنسكريتية فاسمه (كيراموس). فن الخزف من أقدم الحرف والفنون في تاريخ البشرية ولم يعرف حتى الآن أين بدأ أو متى ولكنه وليد الحاجة والصدفة معا فمياه الأمطار والأرض الترابية التي تتحول إلى طين بفعل المطر ثم تطبع عليها بصمة الأرجل والخطوات شكلت تقعرات امتلأت بالمياه فعرف منها الإنسان كيف يحفظ سوائله وفي عصر الزراعة احتاج لأشياء يحفظ فيها الحبوب خاصة بعد أن جفت الطينة ثم عرف النار وقام بتسوية الأشكال التي صنعها من الطين لتصبح أكثر صلابة ولا تنهار بفعل المياه والسوائل ثم عرف أن الرمال تنصهر بفعل النار وتتحول إلى زجاج فكانت الطبقة الزجاجية التي تسد المسام في الأواني الفخارية وتزيد الفخار صلابة وأصبح عنده نوعين من المنتج الطيني الفخار المسامي والخزف المطلي بطلاء زجاجي شفاف وأحيانا ملون وتطور من أدوات نفعية إلى فنون وعرف أيضا باسم الخزف بعد تزجيجه بالطلاءات الزجاجية واسم خزف اسم إغريقي مأخوذ من كلمة كيراميكوس أي صانع الفخار وأعظم ما أنتج في فنون الفخار والخزف هو ما أنتجته الحضارة الإسلامية لتعدد البلدان التي ضمتها هذه الحضارة وتنوع الأساليب والتقنيات التي عرفها صانعو الفخار في ظل الإمبراطورية الإسلامية. تسمى أيضاً بالمواد المتصلدة حرارياً أو المواد الغضارية. يعود الاختلاف في التسمية إلى الترجمة المصطلحة لكلمة ceramics الأجنبية. هذه المواد هي عبارة عن أكاسيد لمعادن، وتعتبر المواد الزجاجية حالة خاصة من المواد الخزفية.

أنواع المواد الخزفية

يغطي مفهوم المواد الخزفية طيفاً واسعاً من المواد. حديثاً تم الاصطلاح على تقسيمها إلى قسمين أساسيين: المواد الخزفية التقليدية والمواد الخزفية المتقدمة. تبعاً للتصنيف العلمي فإن المواد الخزفية تنقسم إلى:

  • المواد الإنشائية: كالقرميد والآجر
  • مواد العزل الحراري
  • البورسلان: بأنواعه
  • المواد التقنية: ولها تسميات عدة منها الخزف الهندسي والخزف الصناعي والخزف المتقدم. تنقسم هذه المواد بدورها إلى :
    • الأكاسيد المعدنية: كالألومينا والزيركونيا
    • الأكاسيد اللامعدنية: :الكربيدات والنترات والسيليكات وأكاسيد البور

فن خزفي

حضارةالأترورية : ديوميديس وبوليكسيما، من أمفورا الأترورية من العصر البونتيك، كاليفورنيا. 540-530 قبل الميلاد. من فولسي

الفن الخزفي هو فن مصنوع من المواد الخزفية بما فيها الصلصال. قد يأخذ الفن الخزفي أشكالًا تتضمن الفخار الفني بما فيه الأواني والبلاط والتماثيل وغيرها من المنحوتات. يُعد الفن الخزفي باعتباره من الفنون البلاستيكية واحدًا من الفنون المرئية. تُعتبر معظم القطع الفنية الخزفية، زخرفية أو صناعية أو تطبيقية، في حين أن بعضًا منها تُعد فنًا راقيًا مثل الفخار أو النحت. يمكن أيضًا اعتبار الخزف من القطع الأثرية الراقية في علم الآثار. يمكن صنع فن الخزف من قبل شخص واحد أو مجموعة من الناس. هناك مجموعة من الناس تصمم وتصنع وتزين الأدوات الفنية في مصنع الفخار أو السيراميك. يُشار أحيانًا إلى منتجات الفخار باسم «الفخار الفني». ينتج الخزافون أو صانعو الفخار فخار الاستديو، ضمن استديو للفخار لشخص واحد.[1]

جاءت كلمة «خزف» من اليونانية (كيرميكوس) وتعني «الفخار» التي تأتي بدورها من (كيراموس» التي تعني «صلصال الفخار». صُنعت معظم منتجات السيراميك التقليدية من الصلصال (أو الصلصال الممزوج بمواد أخرى)، الذي شُكل وتعرض للحرارة، وما تزال الأواني والخزف الزخرفي تُصنع بهذه الطريقة. يُعتبر الخزف في استخدام الهندسة الخزفية الحديثة، أنه فن وعلم صنع الأشياء من المواد المعدنية وغير المعدنية بفعل الحرارة، ويُستثنى من ذلك الزجاج والفسيفساء المصنوع من الفسيفساء الزجاجية.[2]

هناك تاريخ طويل للفن الخزفي في جميع الثقافات المتطورة تقريبًا، وغالبًا ما تشكل القطع الخزفية جميع الأدلة الفنية المتبقية من الثقافات المتلاشية، مثل تلك التي كانت موجودة في حضارة النوق في إفريقيا منذ أكثر من 2000 عام. تشمل الثقافات التي عُرفت بشكل خاص بسبب الفسيفساء كلًا من الثقافة الصينية والكريتية والإغريقية والفارسية والمايا واليابانية والكورية وكذلك الثقافات الغربية الحديثة.

تشمل عناصر فن الخزف التي رُكز عليها بدرجات مختلفة في أوقات زمنية مختلفة، كلًا من شكل الموضوع والزخارف التي يحتويها سواء كان من خلال الرسم أو غيره من الأساليب والتزجيج الذي احتوته معظم الأعمال الفسيفسائية.

المواد

استُخدمت أنواع مختلفة من الصلصال، مع العديد من المعادن المختلفة وظروف الحرق المختلفة لإنتاج الأواني الفخارية والخزف الحجري والبورسلان والخزف الصيني (الصين الراقية).[3]

الأواني الفخارية هي عبارة عن فخار لم يتعرض للنار من أجل التزجيج وبالتالي يكون نافذًا للماء. صُنع العديد من أنواع الفخار بهذه الطريقة منذ أقدم العصور، وحتى القرن الثامن عشر كان أكثر أنواع الفخار شيوعًا خارج الشرق الأقصى. تُصنع الأواني الفخارية غالبًا من الصلصال والمرو والفلسبار. يُعتبر الطين النضيج نوعًا من الأواني الفخارية، وهو عبارة عن صلصال غير مزجج أو خزف مزجج، إذ يكون الجسم المحروق مساميًا. تشمل استخداماته الأواني (لاسيما أصيص الزهر) وأنابيب المياه والصرف الصحي والطوب وتزيين الأسطح بعد إنشاء المباني. كان الطين النضيج وسيلة شائعة في فن الخزف.[4][5][6]

الخزف الحجري هو عبارة عن خزف زجاجي أو شبه زجاجي مصنوع بشكل أساسي من الصلصال الحجري أو الصلصال الناري غير الحراري. يُحرق الخزف الحجري في درجات حرارة عالية. لا يمتلك مسامًا سواء كان مزججًا أم لا وبالتالي قد يكون مصقولًا أو لا. تأتي أحد التعريفات المعترف بها على نطاق واسع من التسمية الموحدة للمجتمعات الأوروبية، وهو معيار صناعي أوروبي ينص على أن «الخزف الحجري يختلف عن البورسلان لأنه أكثر غموضًا على الرغم من كثافته ونفوذيته وصعوبة مقاومته للخدوش بواسطة رأس فولاذي، وعادة ما يكون مزججًا بشكل جزئي. قد يكون زجاجيًا أو شبه زجاجي، وعادة ما يكون لونه رماديًا أو بنيًا بسبب شوائب الصلصال المستخدم في تصنيعه وهو مصقول بشكل عادي».[7][8]

معرض الصور

مسيرة الفنان الأمريكي#زيو_ زيجلر Zio Ziegler..من مواليد عام 1988م .. تخرج من رود أيلاند للتصميم بسان فرانسيسكو .. وقد إشتهر بلوحاته المزخرفة بشكل منمق جدا

بالصور تابعوا معنا أعمال الفنان #زيو_ زيجلر Zio Ziegler من موالي ...

Zio Ziegler is an American painter and sculptor born in 1988.  He graduated from RISD in 2010.
He currently lives and works in San Francisco.

From 2012 :

Painting is my attempt at self-understanding. I create an experience for the viewer that parallels my own search in creation. This process, my examination, is a constant balance between reason and intuition. I make in order to understand, rather to explain what has been made.

Whether I am painting on a public wall or in my studio, my craft is a vehicle that shows me how to turn every crisis into an opportunity. The naiveté and freedom I see and admire in the physical world directly influence the most primitive aspects of my work. My materials are the tools I use to try to understand my human condition. The paint, surface, and subject matter parallel my subconscious call to action and often manifest themselves in the same forms; however each form displays varying levels of emphasis, color, line and pattern. I paint how I feel, not how I see. Rather than finding a concept and executing it in a linear fashion, I react to my questions, life and awareness. My work is not about a final product, rather the process that helps me solve a problem.

I’ve often been asked what my symbols mean in relation to one another, and while I hint at their meanings with a reference in a title, their meanings are as ephemeral as the process itself. This transience of meaning serves as catalyst for each viewer’s understanding. Because each painting lacks a singular explanation, the viewer is faced with self-reflection of his or her own life and internal pursuit. My paintings have subjectively different meanings for each person that views them, and through the observer’s own balance of reason, context, and intuitive reaction, each one serves as a starting place of thought and reflection rather than a means to an end.

There is no conclusion, only more questions. There is no meaning except for that which the viewer designates. My paintings begin with an existential journey, and can only end with an absurdist conclusion – the rest is just a vehicle for conveying this.

20171110_zz_1271.jpg

Zio Ziegler

From Wikipedia,

Jump to navigationJump to search

Zio Ziegler
Born February 18, 1988 (age 32)
Nationality  United States
Occupation Artist
Known for Murals & Paintings

Zio Ziegler (born 1988) is an American artist known best for his paintings and murals, many of which appear in the Mission District of San Francisco,[1][2] as well as around the world such as TokyoLos AngelesLondonItaly, and more.[3] His paintings have been featured both in the United States and internationally.

Ziegler was born February 18, 1988,[4] He studied art at Brown University and the Rhode Island School of Design,[5] and graduated with a BFA in Painting from RISD in 2010.[4]

Career

Ziegler is known for both painting and murals, stating that his paintings are mainly inspired by Literature, French Modernism, and Architecture.[6] His art features “repeated motifs of primitive patterns, gigantism, and distortion”[7] and is improvisational rather than carefully planned.[2]

Murals of Ziegler can be seen on buildings around the world such as Tokyo, Los Angeles, London, Italy, and more.[8] Notable murals by Ziegler include a 135 feet (41 m) tall mural on the Cathedral Building in Oakland, California, commissioned by the United Nations Foundation to celebrate the 70th anniversary of the signing of the United Nations Charter,[9][10][11] and a 15,000 square feet (1,400 m2) mural on a Tillys warehouse in Irvine, California, visible daily to approximately 240,000 commuters on Interstate 405.[12][13] His mural on the factory doors of Italian bicycle manufacturer Cinelli was featured as part of an article on Design Boom.[14]

Ziegler’s paintings have been featured at exhibits internationally.[6] Most recently in 2015, he exhibited with French artist Pierre Roy-Camille, shortly after returning from traveling around the world for various exhibitions.[6] In 2015 he also exhibited at an Istanbul Contemporary Art Museum event, being represented in the solo artist section.[15]

In addition to his murals and paintings, Ziegler has designed a line of Vans sneakers,[1][2] and has painted art cars for collectors.[5] He also founded the Arte Sempre clothing company in Mill Valley, the Weekend swap company and web site for coordinating the use of outdoors equipment, and another tech startup.[7]

Solo exhibitions

  • 2018, The Fourth Wall, Marin Museum of Contemporary Art, Novato[16]
  • 2017, Meta Species, Ochi Gallery, Sun Valley, ID[17]
  • 2016, Bernard Gwilliam & the Quantum Modernism, Jules Maeght, San Francisco[18]
  • 2016, To Arrive at the Truth, Ochi Gallery, Sun Valley, ID[19]
  • 2015, The Psyche’s Gestures, Soze Gallery, Hollywood[20]
  • 2015, Painting is the Pattern, Jules Maeght, San Francisco[21]
  • 2015, The Creative Dialect, A.R.4.T Gallery, Laguna Beach[22]
  • 2014, Intuitivism, Le QuiVive, Oakland[23]
  • 2014, Et In Arte Ego, Antonio Colombo Arte Contemporanea, Milan, Italy[24]
  • 2013, Chasing Singularity A.R.4.T Gallery, Laguna Beach[25]
  • 2013, The Infinite, Gallery 81435, Telluride, CO[26]
  • 2013, Chaos/ Clarity, Ian Ross Gallery, San Francisco[27]
  • 2012, Lost Illusions, Project Gallery, Hollywood[28]

References

  1. Jump up to:a b Lipton, Josh (December 23, 2014). “Zio Ziegler: The artist for tech’s elite”CNBC.
  2. Jump up to:a b c Scatena, Jenna (November 21, 2014). “Zio the Unstoppable: A wunderkind muralist breaks off the wall and into the mall”San Francisco.
  3. ^ Boros, Eva (November 20, 2014). “New Zio Ziegler Mural Brightens Belle Meade”Nashville Arts Magazine. Retrieved November 23, 2015.
  4. Jump up to:a b “About the artist”. Zio Ziegler’s official website. Retrieved August 2, 2015.
  5. Jump up to:a b Bowles, Nellie (August 1, 2014). “Two Drinks With Artist Zio Ziegler on the Tech-Titan Medicis”re/code.
  6. Jump up to:a b c Jackson, Stephen (March 5, 2015). “Painting Is The Patter – Artist Zio Ziegler Previews New Gallery Show”. Hoodline. Retrieved November 23, 2015.
  7. Jump up to:a b “Zio Ziegler: Muralist, Painter, SF/Mill Valley”. In The Make: Studio Visits with West Coast Artists. March 2013.
  8. ^ Firpo, Erica (October 3, 2014). “Zio Ziegler, il graffitaro che viene dalla Silicon Valley”Wired (in Italian). Retrieved November 23, 2015.
  9. ^ Allen, Annalee (July 10, 2015). “Dynamic mural on Oakland Cathedral Building commemorates United Nations’ 70th anniversary”Santa Cruz Sentinel.
  10. ^ Stevens, Rachael (June 26, 2015). “Zio Ziegler mural marks 70th anniversary of UN charter”Creative Review.
  11. ^ Burke, Sarah (June 17, 2015). “Oakland’s New International Icon: Last week, street artist Zio Ziegler partnered with the United Nations to erect a massive mural in downtown Oakland in the form of a figure releasing a dove”East Bay Express.
  12. ^ Annual average daily traffic estimate from Interstate-guide, retrieved 2015-08-03.
  13. ^ Goulding, Michael (July 7, 2015). “Tilly’s building becomes canvas for contemporary mural”OC Register.
  14. ^ “Explore the milan-based cinelli studio and the columbus tubing factory”. Design Boom. January 21, 2015. Retrieved November 23, 2015.
  15. ^ Aldinc, Burcu (November 9, 2015). “Istanbul to display art from around the world”Daily Sabah. Retrieved November 23, 2015.
  16. ^ “Exhibitions > Marin Museum of Contemporary Art”marinmoca.org. Retrieved September 24, 2018.
  17. ^ “Iconography on show with ‘Meta Species’ by Zio Ziegler at Ochi Projects, Los Angeles | Artinfo”Artinfo. Retrieved September 10, 2018.
  18. ^ “7 Artsy Openings for Your November Radar”7×7 Bay Area. November 3, 2016. Retrieved September 10, 2018.
  19. ^ “ZIO ZIEGLER | TO ARRIVE AT THE TRUTH |”OCHI GALLERY. Retrieved September 10, 2018.
  20. ^ “Zio Ziegler The Psyche’s Gestures at Soze Gallery LA”. Juxtapoz. June 22, 2015. Retrieved November 23, 2015.
  21. ^ Garchik, Leah (March 11, 2015). “Good guys win: A star is restored in the Facebook galaxy”San Francisco Chronicle. Retrieved November 23, 2015.
  22. ^ “Zio Ziegler – Antonio Colombo Arte Contemporanea”. Colombo Arte. Retrieved November 23, 2015.
  23. ^ Burke, Sarah (November 19, 2014). “Zio Ziegler’s Intuitive Gestures”East Bay Express. Retrieved November 23, 2015.
  24. ^ “Et In Arte Ego Zio Ziegler at Anonio Colombo Gallery Milan”. Juxtapoz. April 15, 2014. Retrieved November 23, 2015.
  25. ^ “Zio Ziegler Chassing Singularity”Orange Coast Magazine. January 4, 2014. Retrieved November 23, 2015.
  26. ^ “Paradigm Magazine Interview with Zio Ziegler”Paradigm Magazine. January 17, 2014. Retrieved November 23, 2015.
  27. ^ Chun, Kimberly (April 17, 2013). “Chaos/Clarity: Art for art’s sake”San Francisco Chronicle.
  28. ^ “Project Gallery and Zio Ziegler Lost Illusions”. Guest of a Guest. September 22, 2012. Retrieved November 23, 2015.

لا يتوفر وصف للصورة.لا يتوفر وصف للصورة.

لا يتوفر وصف للصورة.ربما تحتوي الصورة على: ‏‏منظر داخلي‏‏ربما تحتوي الصورة على: ‏‏رسم‏‏ربما تحتوي الصورة على: ‏‏نشاطات في أماكن مفتوحة‏‏

صفحة مجلة فن التصوير على الفيس بوك :
https://www.facebook.com/fotoartbookcom
مجلة فن التصوير :
http://www.fotoartbook
مجلة المفتاح : 

عرض المزيد

ربما تحتوي الصورة على: ‏شخص واحد‏
لا يتوفر وصف للصورة.
لا يتوفر وصف للصورة.
لا يتوفر وصف للصورة.
لا يتوفر وصف للصورة.
+‏١٠٣‏
تمت إضافة ‏‏١٠٧‏ صور جديدة‏ بواسطة ‏‎Walid Nayif‎‏ إلى الألبوم: ‏‎Zio Ziegler‎‏.متابعة

زيو زيجلر من موالي فبراير 1988 .. تخرج من رود أيلاند للتصميم بسان فرانسيسكو .. وهو فنان أمريكي إشتهر بلوحاته المزخرفة بشكل منمق جدا وله جداريات وجرافيتي في العديد من المدن الكبري بالولايات المتحدة وأوروبا وأسيا.
عنده إعتقاد أن لوحاته التي يرسمها تكمل نفسها فاللوحة كما يعتقد محاولة منه لفهم الذات .. وخلق تجربة مع المشاهد توازي متعته وهو ينجز عمله الفني .. فهو يري أن أعمالة الفنية يقدمها في محاولة للفهم وليست بحاجة إلى تفسيرات.
يرسم زيو مايشعر به يستخدم مستويات متعددة من تركيز الألوان والخطوط والتكوينات المدروسة بعناية وراحة تحل كل مشاكل الكتلة والفراغ .. يتسائل دائما عن ماتعنيه الرموز وعلاقتها ببعض .. وعلاقة كل هذا بالمتلقي فهو لا يري العمل الفني يكتمل إلا عندما يحاول المشاهد فهمه والتعاطي معه .
Zio Ziegler (born February 18, 1988) is an American artist, known for his intricately patterned paintings and his large-scale murals that can be seen in major cities in the U.S., Europe and Asia. His work reflects the diverse influences of late medieval and quattrocento painting, aboriginal, African and naive art, and the European graffiti movement. Driven by intuition and depicted with a playful use of space and materials, his subject matter reflects the human condition, with reference to allegorical, mythical and artistic lineage. He paints in the belief that his paintings complete themselves by triggering self-discovery in their viewers.

Painting is my attempt at self-understanding. I create an experience for the viewer that parallels my own search in creation. This process, my examination, is a constant balance between reason and intuition. I make in order to understand, rather to explain what has been made.

I’ve often been asked what my symbols mean in relation to one another, and while I hint at their meanings with a reference in a title, their meanings are as ephemeral as the process itself. This transience of meaning serves as catalyst for each viewer’s understanding. Because each painting lacks a singular explanation, the viewer is faced with self-reflection of his or her own life and internal pursuit. My paintings have subjectively different meanings for each person that views them, and through the observer’s own balance of reason, context, and intuitive reaction, each one serves as a starting place of thought and reflection rather than a means to an end.

للمزيد من الصور:
https://www.facebook.com/photo.php?fbid=10208060879132261&set=a.10208060754849154&type=3&theater
لا يتوفر وصف للصورة.ربما تحتوي الصورة على: ‏‏منظر داخلي‏‏ربما تحتوي الصورة على: ‏‏شخص واحد‏، ‏‏‏أحذية‏ و‏قبعة‏‏‏‏لا يتوفر وصف للصورة.

مسيرة الفنان التشكيلي السوري #خالد_جلال..مواليد مدينة دير الزور عام 1933م- 1971م..ابن الفنان الراحل #محمود_ جلال …وشقيقته الفنانة #سوسن_ جلال..

ربما تحتوي الصورة على: ‏شخص واحد‏
ربما تحتوي الصورة على: ‏‏شخص واحد‏، ‏‏‏جلوس‏ و‏نشاطات في أماكن مفتوحة‏‏‏‏
ربما تحتوي الصورة على: ‏شخص واحد‏
لا يتوفر وصف للصورة.
ربما تحتوي الصورة على: ‏شخص واحد‏ربما تحتوي الصورة على: ‏شخص واحد‏لا يتوفر وصف للصورة.لا يتوفر وصف للصورة.لا يتوفر وصف للصورة.لا يتوفر وصف للصورة.ربما تحتوي الصورة على: ‏شخص واحد‏ربما تحتوي الصورة على: ‏‏شخص أو أكثر‏‏ربما تحتوي الصورة على: ‏شخص واحد‏
البورتريه والطبيعة في معرض الفنانين سوسن جلال وجورج عشي – S A N A

البورتريه والطبيعة في معرض الفنانين سوسن جلال وجورج عشي

دمشق-سانا

احتضنت صالة عشتار في نشاطها الثالث بعد عودتها للعمل معرضا مشتركا للفنانين التشكيليين سوسن جلال وجورج عشي قدما خلاله مجموعة من أعمالهما المتنوعة بمواضيعها وتقنياتها في حالة تبرز خصوصية تجربتيهما المخضرمتين.

وضم المعرض 17 عملا لكل من الفنانين جاءت لوحات الفنانة سوسن بتقنية المائي التي صاغت من خلالها عوالم من الورود باسلوب تعبيري متمكن ومفعم بالإحساس الأنثوي الرومنسي في الوقت الذي جاءت أعمال الفنان عشي ما بين البورتريه التعبيري القوي بخطوطه وألوانه الزيتية مع لوحات قدم من خلالها مناظر طبيعية بتقنية تعبيرية مختلفة صاغ من خلالها تداخلات لونية مفعمة بالحيوية والأمل.

وعن المعرض قالت التشكيلية سوسن في تصريح لـ سانا: “أغلب أعمال المعرض جديدة وما دفعني للتركيز على رسم الورد هو الحالة النفسية التي عشتها خلال سنوات الحرب كما أن تجربتي في هذا الموضوع بتقنية الألوان المائية تمتد لسنوات رغم اشتغالي على مواضيع أخرى بتقنية الزيتي” معتبرة أن النشاط الواضح الذي يشهده الوسط التشكيلي السوري هو دليل تعاف ولكن الفنانون يرغبون بفسحات احتضان اكبر من قبل المؤسسات الثقافية الرسمية والخاصة ليقدموا فنهم للجمهور.

بدوره قال التشكيلي عشي: أردنا أن نقدم هذا المعرض المشترك كوننا صديقين منذ زمن طويل ويجمعنا جيل واحد و لكل منا تجربته الفنية الخاصة فالإنسان هو موضوعي الأساسي الذي اقدمه عبر البورتريه في لوحاتي كما أن الطبيعة راسخة في ذاكرتي منذ الطفولة خاصة في قريتي ضهر صفرا.

عشي متعدد المواهب ما بين التصوير الزيتي والفوتوغرافي والشعر أوضح أن مهمة الفنان الأساسية في كل الأوقات وخاصة عند الأزمات هي زرع الأمل والفرح في قلوب الناس عبر ما يقدم من فن لافتا إلى أن الفن التشكيلي السوري في وضع جيد حاليا والمستقبل يعد بالكثير مع اجتهاد الفنانين الشباب لتقديم الأفضل دائما.

من جهته أوضح التشكيلي عصام درويش مدير صالة عشتار أن المعرض يبرز التناقض الجميل بين العوالم الفنية لكل من الفنانين رغم الصداقة التي تجمعهما منذ زمن طويل مبينا أن صالة عشتار التي عادت للعمل بعد سبع سنوات لديها برنامج عمل جيد سيعيد لها دورها الثقافي الذي لعبته قبل الحرب على سورية حيث قدمت معرضين الأول كان بعنوان ضوء الجسد وعبر عن حرية التفكير التي لم تتبدل رغم الأزمة والثاني لاعمال الفنان الرائد محمود حماد للتعريف بفنه.

والتشكيلية سوسن جلال خريجة كلية الفنون الجميلة عام 1977 عملت في مجال الديكور وفي رسوم قصص الأطفال وأول معرض لها كان مع والدها الفنان الرائد محمود جلال وأخيها الفنان خالد جلال وشاركت في معارض جماعية وللتصوير الضوئي وأخرى فردية محلية وخارجية.

والتشكيلي جورج عشي من مواليد عام 1940 تخرج من المدرسة الدولية بلبنان قسم الديكور عام 1972 احترف التصوير الفوتوغرافي إلى جانب التصوير الزيتي وهو العضو المؤسس في نادي التصوير الضوئي وعضو في اتحادي التشكيليين السوريين والعرب وفي جمعية المؤلفين والملحنين والموزعين في باريس وصدرت له مجموعتان شعريتان بالمحكية ولديه أغنيات وأعمال درامية ودرامية موسيقية وبرامج منوعات في كل من تلفزيون وإذاعة دمشق وبيروت وحائز العديد من الجوائز وشهادات التقدير .

محمد سمير طحان

صفحة مجلة فن التصوير على الفيس بوك :
https://www.facebook.com/fotoartbookcom
مجلة فن التصوير :
http://www.fotoartbook
مجلة المفتاح : 

عرض المزيد

ربما تحتوي الصورة على: ‏‏شخص واحد‏، ‏‏لقطة قريبة‏‏‏
ربما تحتوي الصورة على: ‏شخص واحد‏
ربما تحتوي الصورة على: ‏‏شخص واحد‏، ‏‏‏جلوس‏ و‏نشاطات في أماكن مفتوحة‏‏‏‏
ربما تحتوي الصورة على: ‏شخص واحد‏
ربما تحتوي الصورة على: ‏شخص واحد‏
+‏٢٢‏
Sawsan Jalal

الفنان الراحل خالد جلال …ابن الفنان الراحل محمود جلال …وشقيق الفنانة سوسن جلال
للمزيد من الصور:
https://www.facebook.com/photo.php?fbid=227313187651059&set=pcb.227313437651034&type=3&theater
ربما تحتوي الصورة على: ‏‏شخص واحد‏، ‏‏لقطة قريبة‏‏‏

تابعوا معنا مسيرة#الحاج_ مهدي_ محمد_ الجبوري ..مواليد مدينة الرميثة عام 1928 م– 2015 م ..شيخ الخطاطين العراقيين وخليفة الخطاط (هاشم البغدادي ).- مشاركة:كريم نصيف الجميلي.

ربما تحتوي الصورة على: ‏‏‏شخص أو أكثر‏ و‏نص‏‏‏

العراق يفقد شيخ الخطاطين العرب مهدي الجبوري

ترجل الخطاط العراقي الحاج مهدي الجبوري عن الدنيا في إحدى غرف قسم العناية المركزة بمستشفى اليرموك في العاصمة العراقية بغداد، بعد صراع مع المرض عن عمر ناهز الـ87 عاما. ويعد الجبوري من أعلام الخطاطين العرب الذين كان لهم الدور الكبير في الحفاظ على الموروث الحضاري الذي يخص الخط العربي والزخرفة، وقد تتلمذ على يد الخطاط هاشم محمد البغدادي ونهل من عطائه وأسلوبه الكثير.
الأربعاء 2015/11/25
ــــــــــــــــــــــــــــــــــــــــــــــــــــــــــــــــــــــــــــــــــــــــــــــــــــــــــ
قسم الخط العربي والزخرفة بالتعاون مع جمعية الخطاطين العراقيين ...

شيخ الخطاطين الحاج مهدي محمد الجبوري (1928 – 2015 ) م

هو مهدي بن محمد بن صالح بن الشيخ قاسم الجبوري , يعد الحاج مهدي الجبوري خليفة الخطاط (هاشم البغدادي ) وكان جده الشيخ قاسم قد عين بفرمان من السلطان عبد الحميد قاضيآ لمدينة المسيب وأمامآ وخطيبآ في جامعها الكبير . ولد الحاج مهدي الجبوري سنة 1928م في مدينة الرميثة ثم عاد والده الى مدينة بغداد , أكمل الاستاذ مهدي الجبوري الدراسة الابتدائية وترك الدراسة في الصف الخامس الثانوي , ثم انخرط في مدرسة (نائلة خاتون ) العلمية , لدراسة العلوم الدينية استمر فترة وجيزة تلقى خلالها بعض الدروس عن الشيخ نجم الدين الواعظ مفتي العراق والمرحوم الشيخ قاسم القيسي مفتي بغداد الاسبق , ثم ترك الدراسة فيها . فبعد ان احيل والده الى التقاعد من دائرة المساحة العامة ببغداد تم تعيينه بنفس درجة والده , وكان انتسابه الى مديرية المساحة فرصة مناسبة للتعرف على الخطاطين ففتحت امامه افاق واسعة فبدأ يواصل تمارينه ويمشق ثم بعدها نقل بعنوان (خطاط) في شعبة الترسيم في دائرة المساحة وهناك تعرف على الاستاذ الكبير هاشم محمد البغدادي فأخذ بيده واخذ بنصحه وتوجيهه حتى بلغ المستوى الذي يؤهله للمنافسة الشريفة بين خطاطي بغداد . وفي سنة (1953)م سافر المرحوم الاستاذ هاشم محمد البغدادي الى تركيا فأناب عنه الاستاذ مهدي الجبوري في مكتبته طيلة مدة سفره وهذا بحد ذاته شهادة كبيرة وثقة عالية منحت له من الخطاط هاشم البغدادي , وفي عام(1954)م افتتح الاستاذ مهدي الجبوري مكتباً له باسم(دار الخط العربي) ببغداد بالتعاون مع الاستاذ الخطاط محمد حسين جعفر والفنان الرسام بديع , وفي عام 1958م سافر الى ايران والتقى هناك بالخطاطين الايرانيين فازدادت خبرته اذ اطلع على روائع فن الخط والزخرفة مما ولد عنده الطموح للإبداع والتألق ومن أثاره الفنية الكتابة على جامع الشيخ عبد القادر الكيلاني , كما كتب الكثير من عناوين الصحف والمجلات ومن خطه كذلك القراءة الخلدونية الجديدة . وله العديد من اللوحات الخطية . منح اجازة خطية من الخطاط التركي (حامد الامدي ) وكذلك اجازة من الخطاط الإيراني ( زرين خط ) توفي سنة 2015 عن عمر ناهز 87 عاماً تاركاً ورائه أرثا ثقافياً غزيراً ينهل منه طلاب العلم .

ــــــــــــــــــــــ

أيمن الصياد Ayman Al-Sayyad on Twitter: "من جميل #الخط_العربي 5 من ...

العراق يفقد شيخ الخطاطين العرب مهدي الجبوري | علي إبراهـيم الدليمي ...

الخطاط مهدي بن محمد صالح بن الشيخ قاسم الجبوري النجفي (حفظه الله ورعاه) .
– ولد في مدينة الرميثة سنة 1928 م .
– علم الخط العربي والزخرفة الإسلامية البارز في العصر الحاضر .
– تتلمذ على يد الاستاذ الكبير وقبلة الخطاطين في العصر الحديث هاشم محمد البغدادي ونهل من عطائه واسلوبه وفنه وخلقه ، فقد أخذ بيده وتولاه برعايته وتوجيهه حتى بلغ المستوى الرفيع .
– حصل على الإجازة من الاستاذ حامد آيتاش الامدي اخر عمالقة الخط العربي عام 1396 هـ .
– عمل في دائرة المساحة العامة .
– أسس لجمعية الخطاطين العراقيين.
– اسس مكتبة دار الخط العربي عام 1954 .
– عمل في مكتبه الخاص في شارع الرشيد ببغداد .
– تم تكريمه عام 1999 من قبل جمعية الخطاطين العراقيين
لإسهاماته في تقدم الخط العربي خلال النصف الثاني من القرن الماضي .
– احتفت به وزارة الثقافة العراقية ممثلة بدائرة الفنون التشكيلية عام 2013 م .
– من ابرز البصمات التي يفخر بها الحاج مهدي ، كتابة العملة العراقية الورقية التي نستخدمها الان في العراق، فضلا عن خطه لهوية الاحوال الشخصية للزعيم عبد الكريم قاسم رحمه الله .
– تخرج على يديه الكثير من أساتذة الخط العربي منهم الدكتور عبد الرضا بهية المعروف بروضان والخطاط حميد السعدي والخطاط أمين علي والخطاط أحمد فارس العمري وغيرهم .
– يمتاز الخطاط مهدي الجبوري بقدرته العالية على الضبط والاتقان للخطوط ويجيد خط النسخ والثلث اجادة تامة .
– من آثاره الفنية السطر الجديد في جامع الشيخ عبد القادر الكيلاني والكتابة على ضريح الحاج محمود بنية والعديد من الجوامع، وكتب الكثير من عناوين الكتب والصحف والمجلات.
– حفظ الله الشيخ الحاج مهدي الجبوري وأدامه ذخراً لهذا الفن المجيد وامده بوافر الصحة وتمام العافية على الأعمال الصالحة ونفع به الإسلام والمسلمين.
سورة اﻷنبياء ( أية 107)} - الخطاط صلاح الشامي | Facebook
و ما أرسلناك إلا رحمة للعالمين " - (سورة الأنبياء 21، الآية 107 ...الگاردينيا - مجلة ثقافية عامة - رحيل الخطاط العراقي الكبير مهدي ...
أيمن الصياد Ayman Al-Sayyad on Twitter: "ج من جميل #الخط_العربي 18 ...

كتب بريشته ورؤيته الفنان Wagih Yassa ..عن الفنان الكبير# آدم_ حِنِين ..ولد في القاهرة – 31 مارس 1929م – 22 مايو 2020م.. نحات ورسام مصري.

لا يتوفر وصف للصورة.

الفنان الكبير…
# آدم حِنِين # (31 مارس 1929 – 22 مايو 2020) نحات ورسام مصري. ولد في القاهرة من أسرة أسيوطية تعمل في صياغة الحلي، ونشأ في حي باب الشعرية. التحق بمدرسة الفنون الجميلة فيها سنة 1949 وبعد تخرجّه في 1953، قضى مدة في مرسم الأقصر. استكمل دراسته في ميونخ بألمانيا وأقام في فرنسا من 1971 حتى 1996. عمل من سنة 1989 إلى 1998 مع وزارة الثقافة المصرية في ترميم تمثال أبي الهول في الجيزة. وفي 1996 عاد نهائيًا إلى وطنه، وأسس سمبوزيوم أسوان الدولي لفن النحت.
سنواته الأولى وتعليمه
ولد آدم حنين في القاهرة يوم 31 مارس 1929 من أسرة أسيوطية تعمل في صياغة الحلي، ونشأ في حي باب الشعرية. التحق بمدرسة الفنون الجميلة في القاهرة في 1949 و بعد تخرجه في 1953، سافر إلى صعيد وقضى أشهراً عديدةً في مرسم الأقصر. في 1957، نال منحة دراسية لمدة سنتين لمتابعة تحصيله في أكاديمية الفنون الجميلة في ميونخ، ألمانيا.

في باريس: 1971 – 1996
انتقل في سنة 1971 مع زوجته إلى باريس حيث أقاما خمسة وعشرين عاما. كرس نفسه خلال تلك الفترة لفنّه في محترفه الواقع في الدائرة الخامسة عشرة في باريس قرب بورت دو سيفر.

بداية عمله في وطنه
عاد إلى مصر سنة 1996، وقد أصبح فناناً معروفاً على المستوى الدولي، وأقام مسكنه ومحترفه في منزل من الطوب الطيني في قرية الحرانية. عمل من سنة 1989 إلى 1998 مع وزارة الثقافة في ترميم تمثال أبي الهول في الجيزة. وفي 1996، أسس سمبوزيوم أسوان الدولي لفن النحت.
في النحت عدل
يعدمن أبرز النحاتين في العالم العربي في القرن العشرين. أنجز خلال مسيرته الفنية عدداً من القطع الكبيرة والصغيرة الحجم، باستخدام مواد متنوعة مثل الغرانيت والبرونز والجص والحجر الجيري والفخار.
تشكلت أعماله الأولى التماثيل المصرية القديمة “مع الدلالة على حس تبسيطي في معالجة الكتل والأحجام.” وسجّلت بداية السبعينيات تطوّراً هاماً في فنّه واستلهم من حرية التعبير النحتي. وفي خلال الثمانينيات، اتسمت منحوتاته بالأشكال المجردة والأحجام الصافية وبديناميكية الحركة، وكانت تدور حول مواضيع مثل قرصي الشمس والقمر ومفهوم الصعود. أعماله في التسعينيات، تشكلت على المنحوتات كبيرة الحجم التي تعرض في الهواء الطلق، ومنها السفينة، المصممة كبديل مجازي للفضاء المتحفي. “تجسّد أعماله بشكل عام الحس الصرحي المختزل ومفهوم الأزل.

في الرسم
كان أيضاً رسامًا غير أنه لم يستخدم بتاتاً في لوحاته الألوان الزيتية على القماش بل أعاد إحياء تقنيات قديمة مثل الرسم على أوراق البردي بأصباغ طبيعية ممزوجة بالصمغ العربي أو تقنية الرسم على الجص التقليدية. أنجز سنة 1960 لوحات فنية لتزيين كتاب صديقه الشاعر صلاح جاهين (1930 ـ 1986) “رباعيات صلاح جاهين”، واستخدم لذلك الحبر الهندي على الورق. تتميّز لوحاته، سواء التشخيصية منها أو التي تمثل أشكالاً هندسية تجريدية، بصفاء الأشكال وحرارة الألوان التي يعززها عمق نحتي.
​​1998​: جائزة الدولة المصرية التقديرية في الفنون .
الجائزة الأولى للإنتاج الفنى .
1996: كرّم في معرض المكرمون.
2004: جائزة مبارك للفنون عام 2004 .
2014: تكريم من الصالون الأول للفن التشكيلى بمؤسسة الاهرام.
حياته الشخصية
تزوج بعالمة الانثروبولوجيا عفاف الديب التي تعرفها خلال أحد معارضه سنة 1960 في ميونخ، بألمانيا.
وداعا الفنان الكبير حيث توفى صباح اليوم الجمعة 22 مايو 2020 بعد صراع مع المرض عن عمر ناهز 91 عاما.
الصورة شخصية للفنان الكبير ادم حنين…
بريشة ورؤية الفنان العظيم
Wagih Yassa

#مجلةعشناوشفنا

لا يتوفر وصف للصورة.
  • Hisham Mostafa غاية في الروعة خالص تحياتي و تقديري و احترامي
  • Asmaa Samy مبدع

مسيرة النحات المصري #آدم_ حنيين Adam Hunien مواليد عام 1929م – 2020 م..هرم إبداعي عالمي..مع مجموعة من أعمال #النحات_ آدم_ حنين..

ربما تحتوي الصورة على: ‏‏شخص واحد‏، ‏‏لقطة قريبة‏‏‏

رحيل النحات المصري آدم حنين عن 91 عاما.. هرم ابداعي عالمي

عن عمر يناهز 91 عاما، رحل اليوم النحات المصري الكبير، آدم حنين، أهم النحاتين في مصر والعالم العربي، وترك بصمة خاصة ومؤثرة في مسيرة النحت التي اسس فيها مدرسته واسلوبه الذي حظي بسمعة عالمية.
ولد آدم حنين واسمه الحقيقي “صمويل هنري”،  في القاهرة عام 1929، في أسرة تعود أصولها إلى مدينة أسيوط في صعيد مصر، وتعمل في صياغة الحلي. التحق بمدرسة الفنون الجميلة في القاهرة، ثم تخرج منها قسم النحت عام 1953 ، عمل حنين رساما في مجلة صباح الخير، مستشارا فنيا بدار التحرير للطبع والنشر، ثم سافر إلى باريس عام 1971 حيث أقام هناك كفنان محترف 25 عاما.
عمل حنين بين 1989-1998 مع وزارة الثقافة المصرية في ترميم تمثال “أبو الهول” في الجيزة. بعد عودته إلى مصر عام 1996، أقام مسكنه ومحترفه في منزل من الطوب الطيني، بناه المهندس المعماري رمسيس ويصا، وأسس في نفس العام “سيمبوزيوم” أسوان الدولي لفن النحت، وهو ورشة سنوية ومعرض يقوم على دعوة نحاتين من جميع أنحاء العالم لتجريب ونحت وعرض منحوتات من الغرانيت المحلي.
كان آدم حنين أحد أبرز النحاتين المعاصرين في العالم العربي، وأنجز خلال مسيرته الفنية عددا هائلا من الأعمال الكبيرة والصغيرة، باستخدام مواد متنوعة مثل الغرانيت والبرونز والجص والحجر الجيري والفخار.

آدم حنين – Adam Hunien

النحات المصري آدم حنين.. تاريخ بصري مبهر

العين الإخبارية – إيهاب محمود الحضري

الفنان التشكيلي والنحات المصري آدم حنين

الفنان التشكيلي والنحات المصري آدم حنين

693مشاهدة

يحتضن متحف الشارقة للفنون في الفترة من 21 سبتمبر/أيلول حتى 16 نوفمبر/تشرين الثاني معرض “علامات فارقة: آدم حنين” للفنان التشكيلي والنحات المصري آدم حنين الذي تنظمه مؤسسة الشارقة للفنون بالتعاون مع هيئة الشارقة للمتاحف.

وُلد آدم حنين في العاصمة المصرية القاهرة عام 1929، وبينما لا يزال في مقتبل العمر اكتشف ولعه بالنحت خلال زيارة مدرسية، حيث التف الأطفال حول المُعلِّم باستثناء واحد فقط تركهم إلى المنحوتات، كان هو آدم.

وعن ذلك الشغف الذي تضاعف فيما بعد قال: “في بداية حياتي الفنية، رأيت في قرية الجُرنة (في محافظة الأقصر جنوبي البلاد) منزلاً ريفياً بسيطاً وغزالاً معلّقاً على واجهته، رسمت هذه اللوحة وتركتها، وبعد أيام عدة وجدتني مدفوعاً لإضافة مساحة هندسية زرقاء وأخرى حمراء، لا أدري ما دفعني لهذه الإضافة التي كانت مؤشراً لأسلوب انتهجته بعد ذلك في سنوات عدة”.

تخرَّج آدم حنين في كلية الفنون الجميلة بالقاهرة عام 1953، درس فن النحت بألمانيا الغربية 1957، والتحق بمرسم الفنون الجميلة بالأقصر 1954-1955، وعمل رساماً في مجلة صباح الخير 1961، ومستشاراً فنياً بدار التحرير للطبع والنشر 1971، ثم سافر إلى باريس، حيث أقام فيها فناناً محترفاً.

تميّزت أعماله بالتركيز على البيئة المحلية والتراث المصري القديم، وله مقتنيات في متحف وزارة التربية والتعليم ووزارة الثقافة ومتحف الفن الحديث بالقاهرة، وحديقة النحت الدولية بمدينة دالاس الأمريكية وقرية الفن بالحرانية بالجيزة ومبنى مؤسسة الأهرام بالقاهرة.

واستطاع النحات المصري تحقيق صيغة تجمع في مكوّناتها بين إرثه الجمالي المحليّ بنكهته الفرعونية والعربية، والمنجز الجمالي الإنساني بوجه عام، ومن هنا حقق المعادلة البصرية التي كان يتطلع إليها أغلبية أبناء جيله من النحاتين، واستطاع أيضاً أن يؤثر في الجيل الذي تلاه.

وخلال فترة وجوده في فرنسا كان على علاقة جيدة بالفنان فاروق حسني وزير الثقافة الأسبق، وكان وقتها مديراً للمركز الثقافي المصري في باريس، وحدث في تلك الفترة أن شارك حنين في سمبوزيوم للنحت في يوغوسلافيا وعاد مبهوراً من هناك، وتواصل مع حسني لإقامة سمبوزيوم مماثل في مصر، وتمَّ اختيار مدينة أسوان لتكون مقراً له، ليكون قريباً من المحاجر نفسها التي كان يستعملها المصري القديم في جلب أحجاره.

وأطلق آدم حنين جائزة باسمه عام 2016، هي “جائزة آدم حنين لفن النحت”، لشباب النحاتين في مصر والعالم العربي، وانطلقت دورتها الـ4 في سبتمبر/أيلول الجاري.

ويسعى هذا المعرض الذي يحتضنه متحف الشارقة للفنون في كل عام، إلى تسليط الضوء على أبرز فناني ومبدعي المنطقة الذين تركوا بصماتهم على المشهد الفني في الوطن العربي، وعرض الأعمال الفنية لأشهر رواد الفن، وتوفير منصة يستعرضون من خلالها إبداعاتهم.

رحل اليوم.. شاهد مجموعة من أعمال النحات آدم حنين الجمعة- 22 مايو 2020  م

رحل اليوم.. شاهد مجموعة من أعمال النحات آدم حنين
آدم حنين
كتب أحمد منصور
رحل عن عالمنا اليوم الفنان الكبير آدم حنين، أبرز النحاتين المصريين منذ بدايات الستينيات، ومؤسس سيمبوزيوم أسوان الدولى لفن النحت، وواحدا من أهم النحاتين فى مصر والعالم العربى، عن عمر ناهز 91 عاما، وخلال التقرير التالى نستعرض مجموعة من أعمال الفنان الراحل.

آدم حنين (1929 – 2020) حاصل على بكالوريوس كلية الفنون الجميلة قسم النحت، ودرس في مرسم أنطونى هيلر في ميونخ 1957 بعد أن أنهى دراسته الحرة بمدرسة الفنون الجميلة على يد الفنان أحمد صبرى، كما أقام في النوبة فترة أثناء منحته للتفرغ (1961 ـ 1969).

ودرس فن النحت في ألمانيا الغربية 1957، والتحق بمرسم الفنون الجميلة بالأقصر 1954-1955، عمل كرسام في مجلة صباح الخير 1961، مستشار فني بدار التحرير للطبع والنشر 1971، سافر إلى باريس حيث يقيم فيها كفنان محترف. مثال تتميز أعماله بالتركيز على البيئة المحلية والتراث المصرى القديمة وله قدرة على التعبير عن الواقع الاجتماعى. له مقتينات في متحف وزارة التربية والتعليم ووزارة الثقافة ومتحف الفن الحديث بالقاهرة. وحديقة النحت الدولية بمدينة دالاس الأمريكية وقرية الفن بالحرانية بالجيزة ومبنى مؤسسة الأهرام بالقاهرة، وفاز بالجائزة الأولى فى مسابقة الإنتاج الفنى 1955.


مثال تتميز أعماله بالتركيز على البيئة المحلية والتراث المصرى القديمة وله قدرة على التعبير عن الواقع الاجتماعى، له مقتينات فى متحف وزارة التربية والتعليم ووزارة الثقافة ومتحف الفن الحديث بالقاهرة، وحديقة النحت الدولية بمدينة دالاس الامريكية وقرية الفن بالحرانية بالجيزة ومبنى مؤسسة الأهرام بالقاهرة، فاز بالجائزة الأولى فى مسابقة الانتاج الفنى 1955.

منذ أن هاجر الفنان آدم حنين إلى باريس وعاش كفنان محترف منذ عام 1971، تحول بفنه نحو التجريد واستخدام خامة الفخار الزلطى فى تماثيله.

إحدى-لوحات-أدم-حنين
إحدى-لوحات-أدم-حنين
احدى-لوحات-القاعة
احدى-لوحات-القاعة
الفنان-فاروق-حسنى-والنحات-العالمى-آدم-حنين
الفنان-فاروق-حسنى-والنحات-العالمى-آدم-حنين
الفنان-فاروق-حسنى-يتابع-اللوحات
الفنان-فاروق-حسنى-يفتتح-قاعة-لوحات-أدم-حنين
الفنان-فاروق-حسنى-يفتتح-قاعة-لوحات-أدم-حنين
جانب-من-اللوحات
جانب-من-اللوحات
حديث-بين-الفنان-فاروق-حسنى-وآدم-حنين
حديث-بين-الفنان-فاروق-حسنى-وآدم-حنين
لوحات-آدم-حنين
لوحات-آدم-حنين
لوحات-القاعة-الجديدة
لوحات-القاعة-الجديدة
لوحات-للفنان-آدم-حنين
لوحات-للفنان-آدم-حنين
لوحة-لآدم-حنين
لوحة-لآدم-حنين
لوحة-للفنان-آدم-حنين
لوحة-للفنان-آدم-حنين
لوحة-للفنان-العالمى-آدم-حنين
لوحة-للفنان-العالمى-آدم-حنين
لوحة-من-أعمال-آدم-حنين
لوحة-من-أعمال-آدم-حنين

آدم حنين
معلومات شخصية
الميلاد 31 مارس 1929[1][2][3][4][5][6][7]  تعديل قيمة خاصية (P569) في ويكي بيانات
القاهرة  تعديل قيمة خاصية (P19) في ويكي بيانات
الوفاة 22 مايو 2020 (91 سنة) [8]  تعديل قيمة خاصية (P570) في ويكي بيانات
القاهرة  تعديل قيمة خاصية (P20) في ويكي بيانات
مواطنة Flag of Egypt (1922–1958).svg المملكة المصرية (1929–1952)
Flag of Egypt (1922–1958).svg جمهورية مصر (1953–1958)
Flag of Syria.svg الجمهورية العربية المتحدة (1958–1971)
Flag of Egypt.svg مصر (1971–2020)  تعديل قيمة خاصية (P27) في ويكي بيانات
الحياة العملية
المدرسة الأم أكاديمية الفنون الجميلة ، ميونيخ  تعديل قيمة خاصية (P69) في ويكي بيانات
المهنة نحات[9]،  ورسام  تعديل قيمة خاصية (P106) في ويكي بيانات
اللغات العربية،  والفرنسية  تعديل قيمة خاصية (P1412) في ويكي بيانات
Portal.svg بوابة فنون مرئية

آدم حِنِين (31 مارس 1929 – 22 مايو 2020) نحات ورسام مصري. ولد في القاهرة من أسرة أسيوطية تعمل في صياغة الحلي، ونشأ في حي باب الشعرية. التحق بمدرسة الفنون الجميلة فيها سنة 1949 وبعد تخرجّه في 1953، قضى مدة في مرسم الأقصر. استكمل دراسته في ميونخ بألمانيا وأقام في فرنسا من 1971 حتى 1996. عمل من سنة 1989 إلى 1998 مع وزارة الثقافة المصرية في ترميم تمثال أبي الهول في الجيزة. وفي 1996 عاد نهائيًا إلى وطنه، وأسس سمبوزيوم أسوان الدولي لفن النحت.[10][11]

سيرته

سنواته الأولى وتعليمه

ولد آدم حنين في القاهرة يوم 31 مارس 1929 من أسرة أسيوطية تعمل في صياغة الحلي، ونشأ في حي باب الشعرية. التحق بمدرسة الفنون الجميلة في القاهرة في 1949 و بعد تخرجه في 1953، سافر إلى صعيد وقضى أشهراً عديدةً في مرسم الأقصر. في 1957، نال منحة دراسية لمدة سنتين لمتابعة تحصيله في أكاديمية الفنون الجميلة في ميونخ، ألمانيا.[10][11]

في باريس: 1971 – 1996

انتقل في سنة 1971 مع زوجته إلى باريس حيث أقاما خمسة وعشرين عاما. كرس نفسه خلال تلك الفترة لفنّه في محترفه الواقع في الدائرة الخامسة عشرة في باريس قرب بورت دو سيفر.[10]

بداية عمله في وطنه

عاد إلى مصر سنة 1996، وقد أصبح فناناً معروفاً على المستوى الدولي، وأقام مسكنه ومحترفه في منزل من الطوب الطيني في قرية الحرانية. عمل من سنة 1989 إلى 1998 مع وزارة الثقافة في ترميم تمثال أبي الهول في الجيزة. وفي 1996، أسس سمبوزيوم أسوان الدولي لفن النحت.[10]

أسلوبه الفنية

في النحت

يعدمن أبرز النحاتين في العالم العربي في القرن العشرين. أنجز خلال مسيرته الفنية عدداً من القطع الكبيرة والصغيرة الحجم، باستخدام مواد متنوعة مثل الغرانيت والبرونز والجص والحجر الجيري والفخار.
تشكلت أعماله الأولى التماثيل المصرية القديمة “مع الدلالة على حس تبسيطي في معالجة الكتل والأحجام.” وسجّلت بداية السبعينيات تطوّراً هاماً في فنّه واستلهم من حرية التعبير النحتي. وفي خلال الثمانينيات، اتسمت منحوتاته بالأشكال المجردة والأحجام الصافية وبديناميكية الحركة، وكانت تدور حول مواضيع مثل قرصي الشمس والقمر ومفهوم الصعود. أعماله في التسعينيات، تشكلت على المنحوتات كبيرة الحجم التي تعرض في الهواء الطلق، ومنها السفينة، المصممة كبديل مجازي للفضاء المتحفي. “تجسّد أعماله بشكل عام الحس الصرحي المختزل ومفهوم الأزل. “[10]

في الرسم

كان أيضاً رسامًا غير أنه لم يستخدم بتاتاً في لوحاته الألوان الزيتية على القماش بل أعاد إحياء تقنيات قديمة مثل الرسم على أوراق البردي بأصباغ طبيعية ممزوجة بالصمغ العربي أو تقنية الرسم على الجص التقليدية. أنجز سنة 1960 رسوماً لتزيين كتاب صديقه الشاعر صلاح جاهين (1930 ـ 1986) “رباعيات صلاح جاهين”، واستخدم لذلك الحبر الهندي على الورق. تتميّز لوحاته، سواء التشخيصية منها أو التي تمثل أشكالاً هندسية تجريدية، بصفاء الأشكال وحرارة الألوان التي يعززها عمق نحتي.[10]

معارضه

أقامالعديد من المعارض الفردية، في القاهرة والإسكندرية وأمستردام ولندن وباريس وروما، كما شارك في الكثير من المعارض الجماعية في عدة دول. [10] من بعض معارضه:​* ​ 1980: ​الأكاديمية المصرية، روما، إيطاليا​​* ​ 1983: ​مركز سلطان، الكويت​​* ​ 1987: ​المركز الثقافي المصري، باريس​

  • ​ 1988: ​غاليري إي إس بي ASB، ميونخ​

​* ​ 1991:​معهد العالم العربي، باريس، فرنسا

  • ​1999 ​ـ 2000​​​: ​متحف المتروبوليتان للفن الحديث، نيويورك، الولايات المتحدة الأمريكية​

كان له متحف في الحرانية أفتتح في كانون الثاني/ يناير 2014، وله آثار في متحف الفن المصري الحديث في القاهرة وكذلك في متاحف: المتحف العربي للفن الحديث، في الدوحة، الذي يضم منحوتته الهائلة السفينة والمعروضة في باحة المدخل.[10]

جوائز وتكريماته

  • ​​1998​: جائزة الدولة المصرية التقديرية في الفنون . [10]
  • الجائزة الأولى للإنتاج الفنى .
  • 1996: كرّم في معرض المكرمون.
  • 2004: جائزة مبارك للفنون عام 2004 .
  • 2014: تكريم من الصالون الأول للفن التشكيلى بمؤسسة الاهرام. [12]

حياته الشخصية

تزوج بعالمة الانثروبولوجيا عفاف الديب التي تعرفها خلال أحد معارضه سنة 1960 في ميونخ، بألمانيا.[10]

وفاته

توفى صباح اليوم الجمعة 22 مايو 2020 بعد صراع مع المرض عن عمر ناهز 91 عاما.

RIP – Adam Hunien a great Artist from my land 1929 -2020
ربنا يرحمه ويحسن اليه ..النحات المصري آدم حنيين

ربما تحتوي الصورة على: ‏‏شخص واحد‏، ‏‏لقطة قريبة‏‏‏

مسيرة الفنان الشكيلي السوري #نصير_ شورى – Nassir Shora..مواليد مدينة دمشق عام 1920م – عام 1992م..من أهم أعلام الفن التشكيلي في سورية، وهو رائد المدرسة الانطباعية، ومجدد التجريد الزخرفي ..

نصير شورىلوحات الفنان التشكيلي نصير شورى - منتدى الشباب المسيحي - سوريانصير شورى الذي رأى دمشق بعيني طفل يتعلم المشي | فاروق يوسف | صحيفة ...

نصير شورى

نصير شورى الذي رأى دمشق بعيني طفل يتعلم المشي

الأحد 2016/01/31
رسول الحداثة

لندن – والده كان صيدليا في دمشق. نحن في العام 1920 وهو عام ولادته. أما خاله فهو محمد كرد علي، المؤرخ والعلامة ومؤسس المجمع العلمي العربي بدمشق.

في “مكتب عنبر” وهو المدرسة الثانوية العريقة في دمشق أكمل دراسته، غير أن تلك المدرسة وهبته فرصة اللقاء بمعلمه جورج بولص خوري، الرجل الذي تعلم فنون الرسم والزخرفة في باريس.

عازف الموسيقى الذي صار رساما

في سن السادسة عشرة انضم إلى دار الموسيقى الوطنية بصفته عازف أكورديون. غير أنه بعد سنتين، أي في العام 1938 أقام معرضا للوحاته في نادي ضباط دمشق.

حين ذهب إلى إيطاليا أواخر الثلاثينات، فاجأته الحرب العالمية الثانية فانتقل عام 1942 إلى مصر لدراسة الرسم. ما من شيء في رسومه يذكّر بالمدرسة المصرية الحديثة، بالرغم من أنه قضى خمس سنوات هناك.

كانت الانطباعية قد تمكّنت منه وهو ما يفسر عزوفه عن التأثر بالفن المصري الذي كان يومها يتوزع بين الواقعية كما جسدها محمود سعيد والسريالية كما تمثلها رمسيس يونان.

عام 1950 كان مثاليا بالنسبة إليه. في باريس رأى نصير شورى لوحات ملهميه من الانطباعيين. في السنة التالية ذهب إلى روما ليطّلع على أعمال المحدثين من الرسامين.

ما تعلمه شورى أثناء أسفاره هو الشيء الأهم في مسيرته الفنية. في دمشق كان رسولا للحداثة بالرغم من أنه لم يتخذ التجريد أسلوبا في الرسم إلا نهاية الخمسينات. يقال إنه سبق في تجريديته زميله ورفيق عمره محمود حماد بسنة واحدة. أكان نصير شورى هو الرسام التجريدي الأول في سوريا أم سبقه إلى ذلك رفيق حياته محمود حماد حين تحول إلى الحروفية؟

في المرسم الذي كان حجر أساس

“مرسم فيرونيز″ كان عنوانا لمرحلة تأسيس في تاريخ المحترف الفني السوري الحديث. عام 1941 شارك شورى مع محمود حماد وميشيل كرشة ومحمود جلال ورشاد قصيباتي وعبدالوهاب أبو السعود، في تأسيس أول تجمع فني في تاريخ الحركة التشكيلية السورية.

من الانطباعية إلى التجريد

ولأن المرسم كان في الأصل ورشة دهان للمفروشات وألعاب الأطفال فقد كان الفنانون يصنعون في أوقات فراغهم ألعابا خشبية للأطفال. لعب المرسم دورا مهما في الحياة. فيه كان الفنانون يتبادلون خبراتهم ويتلصّص بعضهم على البعض الآخر في محاولة للتعلم والتجاوز. أما حين استضاف المرسم عددا من الفنانين القادمين من شرق أوروبا هربا من الحرب فقد كان ذلك الحدث فرصة للفنانين السوريين لاختبار أعمالهم من خلال عيون غريبة.

في تلك المرحلة مارست الانطباعية تأثيرها على جماعة فيرونيز. وهو ما كان ينسجم مع المزاج السوري الذي يميل إلى التماهي مع تجليات الطبيعة بكل ما تنطوي عليه من ترف.

كانت رسوم شورى تتخطى الدرس الانطباعي بانضباطه غير المصرح به لتمضي حرة في سياق نزعة تعبيرية، استهل الرسام بها علاقته التصويرية المتقطعة مع المشاهد البيئية والصور الشخصية. تنوع في الموضوعات جعل رسومه بمثابة يوميات لحياة المدينة المقبلة بشغف على حداثة أبنائها. كان فنانو فيرونيز طليعة التحول الذي أضفى على الرسم طابع التعبير الشخصي، بعيدا عن مقاييس الحرفة التي كانت في متناول الجميع.

في ذلك المنزل الذي يقع في الطابق الأرضي لبناية كانت تقع في زقاق متفرع عن جادة رامي بدمشق كان هناك فنانون شباب يخططون لمستقبل الرسم الذي لم يتأكدوا من ديمومته إلا حين تم تأسيس كلية الفنون الجميلة عام 1960 وكان نصير شورى واحدا من المؤسسين.

الشعر تحت ثياب الرسام

“شاعر اللون” كان ذلك لقبه الذي لازمه في مختلف مراحل تطوره الأسلوبي. من انطباعيته التي تميزت بميلها إلى الواقع إلى تجريديته التي كان في بعض مراحلها حروفيا وكان الشغف باللون مهيمنا عليه.

عام 1965 يوم كان شورى في ذروة انفتاحه على الأسلوب التجريدي أسس مع محمود حماد وإلياس الزيات وفاتح المدرس جماعة “د” التي يحيل اسمها إلى دمشق. مؤسسو تلك الجماعة كانوا بمثابة مؤسسي وعي حديث بالرسم، وهو ما كان ينسجم مع دعوات التحديث التي سادت في عقد الستينات. كان شورى يومها يميل إلى اختزال الأشكال مستعينا بخبرته اللونية. وهو ما أهله ليكون غنائيا في تجريده. ألا يستدعي ذلك التحول التفكير في ما كان عليه الرسام يوم كان طفلا وهو يتسلق سلم الموسيقى؟ موسيقيّ الأشكال كان كما كان شاعر اللّون.

وكما أرى فإن نصير شورى لم يجد نفسه إلا في عقد السبعينات. يومها صار يزاوج بين الانطباعية والتجريدية كما لو أنه يفعل الشيء نفسه، مطمئنا إلى أن قوّته الروحية لم تذهب سدى.

لم يكن حرا في انطباعيته ولم يكن مقيدا في تجريديته. سيقال إن شورى أعاد الانطباعية إلى المختبر وبالقوة نفسها سيقال إنه انفتح بتجارب المختبر على ما يقع من حوله، في محيطه الواقعي. ما فعله شورى في حقيقته أنه لم يعد كل شيء إلى مكانه. كان انطباعيا في التجريد وفي الوقت نفسه كان تجريديا في انطباعيته. وكما أرى فإن الرسام الذي قضى العقد الخمسيني وهو يتأمل لوحات كلود مونيه في باريس كان مخلصا لدرس الرسام الفرنسي.

تجليات الطبيعة

لقد ولد التجريد من بين ثنيات سطوح لوحات مونيه. لذلك فإن شورى لم يتأثر بتجريدية فاسيلي كاندنسكي الغنائية. كان مونيه مرجعه الذي علمه كيف يتخطى حاجز المرئي ليكون في صحبة الأشباح التي يباركها اللون.

احتفاء الفنان بحريته

بين التشخيص والتجريد لم تكن هناك من مسافة في إمكانها أن تحرج نصير شورى. كان الرسام يمد لحافه أينما يصل. لم يخن عواطفه الباذخة حين يكون انطباعيا ولم يبدّد شيئا من صرامته حين يكون تجريديا.

كان نصير شورى واحدا من قلة من الرسامين العرب الذين استطاعوا أن يزاوجوا بين التشخيص والتجريد من غير أن يلفّقوا أسبابا لذلك الزواج الذي لا يقبل به التاريخ. يقول شورى إنه مرّ بثلاث مراحل. كان في الأولى منها انطباعيا وفي الثانية كان تجريديا. يومها بدأ ولعه بمادة الإكرليك، وهي مادة تعامل بالماء. أما في المرحلة الثالثة فإنه عاد إلى الطبيعة. لكن بأيّ معنى؟ يقول “رجعت إلى الطبيعة. المرحلة التجريدية علّمتني خصائص جديدة في اللون. وقد سمّيتها مرحلة الواقعية الجديدة. أنطلق في مقدمة اللوحة من مساحات هندسية أنهيها بأشجار متفاوتة الأبعاد. ما أزال مرتبطا بالمنظر، لكنني أتصرف بحرية”.

ما من رسام سوري احتفى بحريته مثلما فعل نصير شورى. وأنا أكتب عنه أفكر في سعادته. كان نصير شورى رساما سعيدا. ملك المرئيات من حوله فرسم مدينته التي أحبها بطريقة قرّبته من الانطباعيين الفرنسيين الذين شغف برسومهم، غير أنه كان في الوقت نفسه وفيا للأرواح التي تحلق في هواء تلك المدينة فكان تجريديا بطريقة لم تبعده كثيرا عن مفردات حياته الشخصية.

لم يكن تجريد شورى باردا ولا محايدا. كان ذلك التجريد ابن لحظته ووفيّا لمكانه. منذ بداية الستينات كان نصير شورى مدرّس الرسم الذي تتلمذت على يديه أجيال من الرسامين السوريين. ولن أبالغ في القول إن الشيء الكثير من الرقة الذي تسلل إلى لوحات الرسامين كان التأثر بتجربة شورى مصدره.

أغمض نصير شورى عينيه عام 1992 إلى الأبد على مشهد فني عظيم في سوريا كان واحدا من أهم بناته.

كاتب من العراق – فاروق يوسف

لوحات الفنان التشكيلي نصير شورى - منتدى الشباب المسيحي - سوريا

نصير شورى
Ds-NassirShora.jpg

معلومات شخصية
الميلاد 1920
دمشق
الوفاة 1992
دمشق
الجنسية سوري
الحياة العملية
المهنة رسام تشكيلي
مجال العمل فنون جميلة
تأثر بـ ميشيل كرشه
التيار انطباعية

نصير شورى (19201992) هو رسام تشكيلي سوري من مواليد دمشق، سوريا.

يعتبر من أهم أعلام الفن التشكيلي في سورية، وهو رائد المدرسة الانطباعية، ومجدد التجريد الزخرفي تخرج من كلية الفنون الجميلة بالقاهرة ـ مصر / قسم التصوير سنة 1947.[1]

حياته

والده كان صيدلياً في دمشق، أما خاله فهو محمد كرد علي، المؤرخ والعلامة ومؤسس المجمع العلمي العربي بدمشق.

تعلم الرسم على يد الفنان عبد الحميد عبد ربه في المرحلة الابتدائية، وفي “مكتب عنبر” المدرسة الثانوية العريقة في دمشق أكمل دراسته، الأمر الذي وهبه فرصة اللقاء بمعلمه جورج بولص خوري، الرجل الذي تعلم فنون الرسم والزخرفة في باريس.

في سن السادسة عشرة انضم إلى دار الموسيقى الوطنية بصفة عازف أكورديون غير أنه بعد سنتين، أي في العام 1938 أقام معرضا للوحاته في نادي ضباط دمشق.[2]

في أواخر الثلاثينات، سافر إلى إيطاليا بقصد دراسة الفن وبسبب اندلاع الحرب العالمية الثانية عاد سريعاً إلى سورية ثم إلى مصر عام 1942 لدراسة الرسم حيث قضى خمس سنوات هناك.

أعماله مقتناة من قبل وزارة الثقافة السورية / المتحف الوطني بدمشق / القصر الجمهوري / ضمن مجموعات خاصة، ويعتبر مرسم نصير شورى الكائن في ساحة المدفع في أبو رمانة من أقدم المراسم الخاصة في دمشق، وكان بمثابة مركز ثقافي يلتقي فيه الفنانون والأدباء والموسيقيون والفلاسفة والشعراء.

تأثره

عندما بدأ نصير شورى الرسم في منتصف الثلاثينات، في دار الموسيقى الوطنية 1936 كان معه عبد العزيز نشواني وصلاح ناشف وعدنان جباصيني ومحمود حماد. كانوا مبهورين بالمدرسة الانطباعية الفرنسية، يسمعون بها، ويقرأون عنها، ويتابعون أسلوبها، من خلال ما تصل إلى أيديهم من صور وأدلة معارض.[3]

تأثر فيما بعد بالفنانين ميشيل كرشه، وعبد الوهاب أبو السعود.[4]

عمله

  • عمل مدرساً للتربية الفنية في المدارس الثانوية.
  • درّس التصوير في كلية الفنون الجميلة بدمشق منذ تأسيسها ولغاية عام 1990
  • عيّن وكيلاً لكلية الفنون الجميلة عام 1970.
  • ساهم في تأسيس أغلب التجمعات الفنية في سورية.

معارض ومشاركات

  • 1938 معرضه الفردي الأول في نادي ضباط دمشق.
  • 1984 أقام معرضا شاملا لأعماله في صالة إيبلا للفنون بدمشق.
  • 1990 حضر اللقاء الدولي للرسم عن الطبيعة في تشيكيا.

كما أقام خمسة عشر معرضا فرديا في سورية وخارجها.

الجوائز

الاسم الكامل
نصير شورى
الوظائف
فنان تشكيلي
تاريخ الميلاد
1920-01-01 (العمر 72 عامًا)
تاريخ الوفاة
1992-01-01
الجنسية
سورية
مكان الولادة
سوريا, دمشق
درس في
كلية الفنون جميلة في القاهرة
فنان تشكيلي كبير، له دورٌ في تطوير الفن التشكيلي السوري، مزج بين المدرسة الواقعية والانطباعية، وحاز على عددٍ من الجوائز والتكريمات.

نبذة عن نصير شورى

نصير شورى فنانٌ تشكيليٌ سوري، يُعتبر أحد أهم أعلام الفن التشكيلي في سوريا، وله دورٌ في وضع أسس انطلاقة الفن التشكيلي وتطويره، فهو فنانٌ موهوبٌ بالفطرة وتأثر بالمدرسة الانطباعية، وفيما بعد اتبع المدرسة التجريدية، وبرزت رؤيته الفنية الخاصة في لوحاته.

أقام نصير شورى عددًا كبيرًا من المعارض خلال مسيرته الفنية في سوريا والعالم العربي، وحصل على عدة جوائز منها الجائزة الأولى بالتصوير عام 1954.

بدايات نصير شورى

وُلد نصير شورى في دمشق، سوريا عام 1920، لأب كان صيدلانيًا في دمشق، وخاله المؤرخ المعروف محمد كرد علي. أحب نصير شورى بالرسم منذ طفولته، حيث رسم بسن الخامسة لوحةً حازت على إعجاب كل من شاهدها، فقد بدت موهبته الفطرية من خلالها، وفي الإعدادية كان مُدرس الفنون هو الفنان “جورج بول الخوري” من رواد الانطباعية في سوريا، الذي شجع شورى على الاستمرار.

بعد حصوله على الثانوية العامة تمنى أن يدرس الفنون الجميلة في إيطاليا، إلا أن ظروف الحرب العالمية الثانية جعلته يلتحق بكلية القاهرة، وكان لتلك المرحلة دورًا كبيرًا في تكوين شخصيته الفنية، حيث تأثر بالأساتذة الانطباعيين بما فيهم الفنان يوسف كامل، حيث اختص شورى في قسم التصوير، وتخرج عام 1947.

إنجازات نصير شورى

بدأ شورى منذ صغره بإقامة المعارض ففي سن السادسة عشر عام 1936، أقام معرضًا مشتركًا في المتحف الوطني في دمشق، ومن ثم في عام 1938 أقام معرضًا في معهد الحرية “اللاييك”، وفي نفس العام أقام معرضًا بمفرده في النادي العربي في دمشق.

مرّ فن نصير شورى بعدة مراحل حيث عمل على لوحاته بصيغٍ فنيةٍ مختلفة، لكنها أصيلة تعكس رؤيته وتصور من خلالها جمالًا، قد يستطيع شورى أن يراه في الأشياء دون أن يراه غيره. بدايةً أنتج أعماله اعتمادًا على موهبته الفطرية، والتي نسج من خلالها الألوان والأشكال ليُنتج عملًا فنيًا يشبه نصير شورى بالذات؛ فقد كان شغوفًا بالمناظر الطبيعية، حيث اندمج مع الطبيعة من خلال ألوانه المتناغمة والمنسجمة.

فيما بعد تأثر نصير شورى بالمدرسة الانطباعية من خلال مُدرّسه جورج بول الخوري، ومن خلال علاقاته مع فنانين انطباعيين آخرين أمثال ميشال كرشه، فكانت من لوحاته في تلك الفترة لوحة “الهامة”، ولوحة “خيمة عرب”، ولوحة “كرم التين”.

أثناء دراسته للفنون في القاهرة تعرف على العديد من الفنانين الانطباعيين في مصر وأحدهم الفنان يوسف كامل، الذي تأثر به نصير شورى بشكلٍ كبير ٍمن خلال المعالجة الحرة للألوان، وبعد عودته إلى دمشق وانتهاء الحرب العالمية الثانية وجلاء الاستعمار الفرنسي، أصبحت الأجواء في سوريا أكثر ملاءمة للنشاط الفني.

في عام 1947 اشترك نصير مع عددٍ من الفنانين الرواد والعائدين من الخارج في معرضٍ أقيم في ثانوية “التجهيز الأولى” في دمشق، حيث قدم شورى العديد من اللوحات التي تعكس تجربته الفنية أثناء دراسته في القاهرة. كما نال نصير العديد من الجوائز على مدى السنوات التالية، كما أنه اشترك في أغلب المعارض التي أقيمت في تلك الفترة.

بعد أن أصبح اسم نصير شورى في طليعة الفنانين السوريين، أصبح مقصدًا لهواة الفن والطلبة والفنانين، ليستفيدوا من خبراته الفنية، لقد استطاع نصير شورى أن يجعل الفن يتفاعل مع الواقع، وأن يصل للأصالة الفنية التي تعني إغناء اللوحة بألوان البيئة.

لقد تطور أسلوب شورى إلى مرحلةٍ يلامس التجريدية من خلال التكوينات التي بدأ يرسمها والمساحات اللونية التي يؤلفها، فقد تطورت تجربته من حيث العلاقات اللونية والتكوين البنائي للوحة. فأبدع لوحةً في تلك المرحلة خاصةً به، كانت خلاصة تجربته الفنية وعلاقاته اللونية؛ استطاع من خلالها أن يجدد لغته الفنية ،التي حفّزت جيلًا كاملًا من الفنانين على متابعة البحث والاجتهاد والغوص عميقًا بمعاني الألوان.

عمل شورى مُدرسًا للتربية الفنية في المدارس الثانوية، كما عُيّن وكيلًا لكلية الفنون الجميلة عام 1970، ومن ثم درّس مادة التصوير في كلية الفنون في دمشق، وكان لشورى دورًا في تأسيس أغلب التجمعات الفنية في سوريا،

وفي عام 1984 أقام معرضًا شاملًا لأعماله في صالة إيبلا للفنون الجميلة في دمشق، كما أقام أكثر من خمسة عشر معرضًا داخل سوريا وخارجها.

نال نصير العديد من الجوائز ومنها الجائزة الأولى في المعرض العام في المتحف الوطني في دمشق عام 1953، وفي العام التالي نال الجائزة الأولى في التصوير، كما نال وسام الاستحقاق العربي السوري من الدرجة الأولى عام 1982، إضافةً للعديد من الجوائز والميداليات التقديرية الأخرى.

أشهر أقوال نصير شورى

لا تتوفر تفاصيل حول حياة نصير شورى الشخصية.

وفاة نصير شورى

في عام 1992، توفي نصير شورى في دمشق عن عمرٍ يناهز 72 عام.

حقائق سريعة عن نصير شورى

في عام 1990 حضر شورى اللقاء الدولي للرسم عن الطبيعة في تشيكيا.

مرت تجربة نصير شورى الفنية بمراحل عدة، فبين عامي 1970-1980، عاد نصير لإنتاج الأعمال الواقعية بأسلوبٍ خاص ينسج من خلاله بين التكوينات العضوية الطبية الشاعرية وبين التحويرات الهندسية.

بين عام 1980-1990، بدأ شورى بإنتاج المناظر الطبيعية من خلال اعتماده على لونٍ واحدٍ وتدرجاته.

موقع دمشق - "نصير شورى".. القيم التصويرية من خلال اللون

تعرفوا على #متحف_ التقاليد_ الشعبية ..ويعرف بإسم #بيت_ أجقباش_ الأثري Agek-bash house.. في مدينة حلب السورية..و يضم ويعرض لكافة التقاليد الشعبية والفلكلور الأصيل ..ويقع عند أول بوابة الياسمين في الصليبة..

لا يتوفر وصف للصورة.لا يتوفر وصف للصورة.لا يتوفر وصف للصورة.

لا يتوفر وصف للصورة.

بيت أجقباش – متحف التقاليد الشعبية – حلب

يقع هذا البيت عند أول بوابة الياسمين في الصليبة, وقد تم اكتساح الجزء الشرقي من البيت أثناء أعمال توسعة الشارع المؤدي من ساحة الحطب, إلى بوابة القصب وجادة الكيالي. ويعود تاريخ تشييده إلى العهد العثماني, فقد شيّده (قره علي) وهي كلمة تركية معناها (علي الأسود أو البالغ السمرة), في القرن الثاني عشر الهجري, الثامن عشر الميلادي, ثم تملكّه شخص آخر يدعى (أجقباش) وهو تركي الأصل, وأطلق عليه هذا الاسم; لكونه أول شخص يرفع العِمّةْ عن رأسه, فمعنى كلمة (أجق باش ) أي الرأس المكشوف, وبقي البيت محافظاً على هذا الاسم في جميع الكتب التاريخية والمعمارية, وتوالى على هذا البيت الكثير من العائلات التركية ومن ثم الحلبية, والتي كان آخرها عائلة (الراعي). ولست أدري ما هو المعيار الذي تم الاعتماد عليه في اختيار هذا البيت, ليتحول إلى متحف, دون الكثير من البيوت التقليدية الأخرى والمنتشرة بكثرة بمدينة حلب .

وبزيارة لهذا البيت أو المتحف, ينقلنا مدخله المتواضع وبمنسوبه المنخفض, وعبر درجه إلى عالم رحب وثري بفناء واسع, تتوسطه بركة ماء, وتقع بالقرب منها البئر, مع انتشار بعض أشجار الحمضيات, ونباتات الزينة الأخرى, لتعكس ثراء وجمال البيئة الداخلية للبيت العربي, وهذه سمة مشتركة في جميع البيوت العربية التقليدية في سورية. كما نجد الإيوان الذي يعدّ عنصراً معمارياً مهماً من عناصر البيت, وتقع أمامه مباشرة القاعة الرئيسة, التي حظيت بعناية فائقة من خلال سقفها الخشبي المتميز, وجدرانها المزينة بالكتابات القرآنية, وبالخزائن الجدارية, إضافة إلى الأثاث المطعم بالصدف. أما قسم النوم فيقع في الدور العلوي, ويسمى وكما هو معروف بالحرملك.

لا يتوفر وصف للصورة.
لا يتوفر وصف للصورة.
لا يتوفر وصف للصورة.
لا يتوفر وصف للصورة.

متحف التقاليد الشعبية (حلب)

متحف التقاليد الشعبية في مدينة حلب، سوريا يضم ويعرض لكافة التقاليد والفلكلور الاصيل في حلب, وقد أنشئ المتحف عام 1967 وكان مقره بناء أثري وهو البيت العجمي وبعد ذلك نقل إلى بناء تاريخي آخر وهو بيت أجقباش الأثري في حلب القديمة.
Ahmad Saleh

Agek-bash house (بيت أجقباش)

فقد شيّده (قره علي) في القرن الثاني عشر الهجري, الثامن عشر الميلادي, ثم تملكّه شخص آخر يدعى (أجقباش) وهو تركي الأصل, وأطلق عليه هذا الاسم; لكونه أول شخص يرفع العِمّةْ عن رأسه, فمعنى كلمة (أجق باش ) أي الرأس المكشوف

وبقي البيت محافظاً على هذا الاسم في جميع الكتب التاريخية والمعمارية, وتوالى على هذا البيت الكثير من العائلات التركية ومن ثم الحلبية, والتي كان آخرها عائلة (الراعي)

وتم تحويل هذا البيت في الوقت الحالي إلى متحف يدعى متحف التقاليد الشعبية

 

This traditional house is located in Al-Jdaydeh, Aleppo. It was built in the Ottoman period in the eighteens century. Now it has been converted into a traditional museum

للمزيد من الصور على الرابط:

https://www.facebook.com/aleppomosque/photos/pcb.409251575931459/409245582598725/?type=3&theater

لا يتوفر وصف للصورة.

لا يتوفر وصف للصورة.

لا يتوفر وصف للصورة.لا يتوفر وصف للصورة.لا يتوفر وصف للصورة.لا يتوفر وصف للصورة.

لا يتوفر وصف للصورة.